本文目录一览：
- 1、生活不只是月亮与六便士，还好，我们还有高更
- 2、《月亮与六便士》背后的高更，疯狂而伟大
- 3、【艺术课堂】名画赏析：高更《塔希提的年轻姑娘》
- 4、高更《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》 【名作赏析】
- 5、高更简介 高更的简介
- 6、如何评价保罗高更？
- 7、高更的绘画风格和主要作品
- 8、高更是怎么成功的
- 9、高更的解释
- 10、高更《我们从哪里来？我们是什么？我们往那里去？》赏析
生活不只是月亮与六便士，还好，我们还有高更
? ? ? 提到高更，许多人都会想到毛姆以其为原型创作的《月亮与六便士》中，抛妻弃子也要去追寻虚无缥缈梦想的主人公思特里克兰德。
? ? ? 时至今日，那句“满地都是六便士，他却抬头看到了月亮”，影响了一代又一代文青。
? ? ? 作为法国后印象派代表画家、雕塑家，高更的画作通常用弯曲起伏的线条来分割色彩，有着非常强烈的视觉冲击力。
? ? ? “相爱相杀”的故事我们听过很多，这个字眼用在高更与梵高身上似乎更是恰如其分。
? ? ? 1886年（一说1887年）， 33岁的梵高与长其5岁的高更相识于巴黎，彼时二人都恰逢式微。
? ? ? 自相识之日起，高更便将梵高视为一位才华横溢却怀才不遇的后辈，二人如同照镜子一般，在彼此身上看到了自己的影子。
? ? ? 此后，二人在法国一个名为阿尔的小镇度过了一段并不漫长的时光。62天后，二人决裂，高更离开。据说孤独的梵高始终走不出高更的阴影，无心创作的他割掉了自己的左耳。
? ? ?
? ? ? 毋庸置疑，无论真正的原因是什么，可以肯定的是，绝望之下的梵高正是因着这份浓得化不开的孤独才导致了其自残。
? ? ? 梵高割耳事件是19世纪西欧艺术圈至今未解的谜题。一百多年后的今天，关于割耳的真相依然引人遐思。
? ? ? 在做工精美、触手生温的《大艺术家系列.高更》一书中，将高更55年的人生分为5个阶段，并辅以大量私人信件、访谈、评论文，穿插200余幅油画、木版画、雕塑、陶艺等独具高更特色的作品，一饱眼福的同时，真实还原了高更许多鲜为人知的隐私。
? ? ? 现在，翻开这本书，让我们进入高更的内心世界。
? ? ? 作为与塞尚、梵高并称的“后印象派三杰”，高更生于一个显赫的知识分子家庭，其母出自阿拉贡王国赫赫有名的波吉亚家族。
? ? ? 与梵高一样，高更虽不是科班出身，但从小就受到酷爱艺术的母亲的熏陶，虽16岁时家道中落，但年少时良好的家庭氛围对于他此后的艺术创作依然有着深远的影响。
? ? ? 另一方面，很难说早年间股票经纪人的经历给高更日后的艺术生涯带来了什么。
? ? ? 现存于美国俄亥俄州克利夫兰美术馆的《海浪里的女子》是高更早期非常具有代表性的作品。
? ? ? 该画作创作于1889年，历来被认为是高更于阿旺桥时期一幅相当具有开创意义的作品。
? ? ? 梵高黄，高更绿。相对于梵高毕生钟爱的饱满热烈、火一样激情的黄色，高更作品中更多的则是充斥着各种质感高级的清新绿。
? ? ? 这幅以清新淡雅的绿色调为背景的《海浪里的女子》，整幅画的画面以粗犷的线条、简约的形式，勾勒出一位向着海浪而来的裸女。
? ? ? 后世评论家认为，艺术应该不仅仅能够照搬自然，更要通过扭曲、夸大、强化等方式来阐释其内在意义，而野性、创新、突破，甚至颠覆都不足以概括高更所在的时代艺术特征。
? ? ? 这幅裸女便代表了高更作品的典型风格。扑向海浪的女人使得高更作品中的原始主义风格如同清泉般自然流淌，毫不做作，清新淡雅的色调又是那么沁人心脾。如果从象征主义出发，这位奔向大海的女人，无疑寓意着高更内心与大自然的心灵契合。
? ? ? 我们再来看高更另一幅知名度较高的女性题材作品。
? ? ? 如果说《海浪里的女子》表达的是一种对于大自然的原始追求，那么，同样是以裸女入画，《失去童贞》整幅画作洋溢着的则是高更其人对于神秘主义的自我诠释。
? ? ? 高更以如梦似幻的手法，细腻地描绘出了原野上的裸女形象。整幅画面充满寂静安宁的氛围，年少的女子自由自在地躺于原野上，尽情呼吸着旷野中自由的空气。
? ? ? 事实上，这个“童贞”并非字面意义上的童贞。它指的是高更本人的内心早已在非真实的都市喧嚣中被污染，颇具讽刺意味的是，这个看上去微乎其微的愿望却如同土著少女的心灵一样纯洁无瑕。画中的小狐狸寓意着周遭环境的原始野性。整幅作品色彩不多，大自然成了土著少女的梦幻天堂，通过无忧无虑的少女形象，凸显出此时高更本人宁静祥和的心境。
? ? ? 高更逝世一百多年后的今天，姑且不论他那充满争议的生平，我们依然很难仅仅用几个形容词来总结他所取得的艺术成就。但是，他引领了一个年代的艺术却是不争的事实。致敬高更，致敬那个远去的黄金年代……
《月亮与六便士》背后的高更，疯狂而伟大
有关保罗·高更的故事一再被传记作者和小说家书写，其中最有影响的当属英国著名作家毛姆的小说《月亮与六便士》。这部完成于1919年的作品以高更为原型，塑造了传奇艺术家斯特里克兰“被魔鬼附了体”一般追求自己的艺术理想。为了这个理想，他不惜伤害妻儿与朋友，甘愿承受饥寒交迫之苦，并最终摆脱了世俗尘嚣，在远离文明世界的塔希提找到了创作沃土和心灵家园。他画下与他同居的土著女子，画下宛若天堂的风景，画下自己对人生的终极思索。在染上麻风病双目失明之前，他在住房的墙壁画下一幅杰作。但在逝世前，他却命令土著情人在他死后将此付之一炬。
《高更在画架前》（1885年）
《月亮与六便士》是如此成功，不仅使塔希提成为艺术爱好者的向往之地，更使高更那超凡脱俗的形象深入人心。
耐人寻味的是，高更的原配妻子读了《月亮与六便士》后，说没找到斯特里克兰与她丈夫的一丝相似之处。高更之子波拉·高更1937年发表的传记《我的父亲高更》更是寡淡得如同一杯白开水。儿子笔下的高更，是艺术家也是普通人，并非是心血来潮从事艺术；在妻子和5个子女之外，的确有数个情人和两个私生子；他没有麻风病，没有失明，没有疯癫，也没有斩断与世俗世界的联系——他始终在与妻子梅特通信，被金钱的匮乏折磨，为朋友的反复无常苦恼，为女儿的夭亡痛苦。毛姆小说里提及的那幅大型杰作——《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》，也没被烧毁，现藏于美国波士顿美术馆······诸多不同之处，不再赘述。
如果说毛姆书中对斯特里克兰的描写有杜撰的成分，那真实的高更的一生更奇葩更精彩。
高更小时候曾在秘鲁首都利马生活，这里洋溢的热带风情，葱茏的植被，馥郁的鲜花，波光粼粼的海洋······一切都是那样的迷人，对幼小的高更来说，有着致命的吸引力。也许从那时起，就注定他会在人间天堂塔希提，度过特立独行又值得纪念的岁月。
17岁时，高更决定出海。带着年幼时对热带生活的执念，高更去了巴拿马。他对那里抱有理想化的幻想，以为会和记忆中的利马一样。到达后才发现现实和理想相距甚远， 没多久就回到法国。这时候，高更遇到了生命中很重要的人——梵高。他发现梵高和他一样，愿意为了艺术甘愿忍受痛苦。后来，便接受了梵高的邀请，奔赴阿尔勒，敲响了黄房子的门。于是就有了《画向日葵的梵高》《布道后的幻想》等作品，当然还有两人争吵，梵高发疯割耳的故事。
《画向日葵的梵高》（1888年）
《自画像》（1888年）
《阿尔勒的葡萄酒丰收》（1888年）
《阿尔勒的夜咖啡馆》（1888年）
《布道后的幻想》（1888年）
《黄色基督》（1889年）
1891年，高更终于踏上了去塔希提的旅程。对他来说，那里是人间乐土，更是给他最好的创作灵感和艺术滋养的地方。他想尽可能地融入当地的文化，隐藏起自己那个来自欧洲的文明属性，他一直没有忘记他的目标——成为一个野蛮人。其实，高更早就有意塑造自己的“来自秘鲁的野蛮人”形象，留长发，穿奇装异服，在圈内人看来，他就是个自大狂。在塔希提这个美丽的南太平洋岛屿，高更的绘画终于有了鲜明的个人风格——加重了神秘的象征色彩，充满原始情调。就像阿尔勒之于梵高，塔希提成为高更生命与艺术的盛放之地。
《我们朝拜玛利亚》（1891年）
《忧郁》（1891年）
《女子与花》（1891年）
很多人说高更是浪子，这点不假。就如同《月亮与六便士》里的斯特里克兰一样，其生活方式和情感诉求几乎是渣男的标配。无论是在阿尔勒还是塔希提，高更都能和女人打成一片。他这辈子可以说从没缺过女人，也从没负过责任。他也因此受到了惩罚，后来感染了梅毒，疾病不断摧毁他的身体。他几次想自杀，但都失败了。幸运的是，苦痛的折磨让他更体验到了极致人生。提及那幅经典的代表作《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》，?高更说：“临死之前，我把所有能量都注入这幅画中，这是一种在如此糟糕的环境中的痛苦激情，我眼前的景象如此清晰，仿佛所有的匆匆逝去的事物和生活都一一再现。”
《我们从哪里来？我们是谁？要往哪里去？》（1897年）
若要以对艺术和对自我内心追求的坚持来看，高更也绝对配得上伟大。正如《月亮与六便士》中所说的，有人成为别人眼中不可理喻的疯子、执迷不悟的傻子、冷酷无情的负心汉，只为不负心中的热情与理想。人类历史上总会有高更这样富有传奇色彩，又奇葩到让人难以评判其好坏的人存在。
时至今日，他的作品已成为各大博物馆的珍藏，也曾在拍卖会上拍出数亿美元的高价。然而艺术的价值不在其价格。高更1888年在给友人的信中说：“当我的木屐踏在花岗岩地面时，我听见了那种迟钝的、喑哑的、强有力的声音，我一直在绘画中寻找着这种声音······”
“凝望高更的画吧，或许有一天，我们也能够在他的画中听到这种声音。”
《在海边》（1892年）
《市场》（1892年）
《塔希提牧歌》（1892年）
《棕榈树下的塔希提女人》（1892年）
《午睡》（1893年）
《拜神的日子》（1894年）
《你为何生气》（1896年）
《贫穷的渔夫》（1896年）
《完美日子》（1896年）
《塔希提的三人》（1899年）
《扶手椅上的向日葵》（1901年）
《海滩上的骑手II》（1902年）
《呼唤》（1902年）
【艺术课堂】名画赏析：高更《塔希提的年轻姑娘》
作品名称：《塔希提的年轻姑娘》
作品年代：1891年
作品材质：油画
? ? ? ?保罗·高更，1873 年高更开始绘画，并收藏画家作品。他拥有毕沙罗（Pissarro）、马奈（Manet）、雷诺阿（Renoir）、莫奈（Monet）、希斯里（Sisley）及塞尚（Cezanne）等人的作品。1876 年，高更有一幅作品入选巴黎沙龙；次年他作了第一件雕塑作品。渐渐地，高更越来越专注于艺术创作，他参加了最后四届印象派画展。
? ? ? 1883年成为职业画家。曾团结一批未成熟的青年画家组成蓬塔旺画派。1895年以后，因健康原因和经济支持中断，精神受到刺激，自杀未遂。他的艺术观点受象征主义观念驱使，不满足印象主义绘画。1897年创作的《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》用梦幻的形式把读者引入似真非真的时空延续之中，就是这方面的典型之作。另一幅作品《两个塔希提妇女》追求表现的原始性，含有精致的趣味和艺术魅力。
? ? ? ?高更的早期绘画，带有实验性，也很拘谨，令人联想起在巴比松画派（Barbizon School）影向下毕沙罗的作品。1880 年代早期，高更将笔触放松、变宽 ，赋予画面颤动的韵律特质，色彩略见后来发展的迹象，但仍很拘谨。他把颜色做块面处理，自由地加重色泽的明亮感：例如以鲜亮的蓝色画阴影，以红色画屋顶，而使之自背景中突出。
? ? ? ? 高更在技法上采用色彩平涂，注重和谐而不强调对比，《讲道以后的幻景》就是这种艺术处理的代表作。他的绘画风格与印象主义迥然不同，强烈的轮廓线以及用主观化色彩表现经过概括和简化了的形体，都服从于几何形图案，从而取得音乐性、节奏感和装饰效果。其理论和实践影响了一大批画家，被誉为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。
? ? ? ? 1891年，高更创作的肖像画“塔希提的年轻姑娘”是一幅真正的杰作。他喜爱塔希提妇女的那种粗野但却健康而强烈的美，他喜欢她们的天真、直率的性格，他欣赏她们肌肤上的炙热而又丰富的色调。 他太为他的模特儿所陶醉了，以致他无法为了他的综合法而牺牲模特儿。因此，他以综合的手法描绘对象，但决不搞综合。形象上没有丝毫抽象因素，每一根线条，每一个调子都充满着赞美和喜悦。高更那种绝望的、悲哀的调子，在这幅画上已全然消失。他在远离文明、远离首府巴比埃城的森林之中，重新获得了平静、人性和快乐。随着欢乐，他重又找到了准确的明暗对比调子和安稳的、而不是像从前那样狂乱的色彩和谐。褐黄色的皮肤、蓝黑色的头发、青紫色的衣服(稍被几块玫瑰色和白色所间隔)，展现在上半部为橙黄色，下半部为红色，散布着一些绿树叶的明亮的背景前面。甚至某些结构上、比例上、体积和光的表现上的缺陷，也竟成了一种难能可贵的东西，因为它们反映了表现手法的新鲜和生动，反映了艺术家创作的无拘无束。高更往后也创作了一些像这样美的作品，但比这更好的作品却从此未能再见。
高更《我们从哪里来？我们是谁？我们往哪里去？》 【名作赏析】
布面油画：尺寸：141*377 ? 时间:1897年
? ? ? ?这件作品是高更创作生涯中最大的一幅画。这幅油画其意义远远超过以前的作品，画家高更称再也画不出更好的，有同样价值的画来了，在高更临终前，他已把自己的全部精力投入到这幅画中。
? ? ? ? 这幅画更是有许多画家在种种可怕的环境中所体验过的悲伤之情，画中高更的眼睛看得那么真切而且未经校正，以致一切轻率仓促的痕迹荡然无存，他们看见的就是生活本身。油画中整个风景完全是稳定的蓝色和韦罗内塞式的绿色。所有的裸体都以鲜艳的橙黄色突出在风景前面。
? ? ? ?《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》是画家在1897年在南太平洋塔希提岛完成的。据高更回忆说，当时期望描绘独自思考时所呈现出的一片幻境，以表现他自己同自然的交融以及他对无法理解的人类去之谜的苦恼，他把全部的精力都投入到此画的创作中，不分昼夜的工作了一个月。
? ? ? ? ? 这幅作品寓意在一片热带丛林中展开，中间有一位采摘野果的塔希提人，可能暗示亚当采摘智慧之果，他的右边坐着极为带婴孩的女子，远处两个穿长袍的妇女正热烈的交谈着，他左边的小女孩，青年妇女和老妇可能象征着人生的三个不同阶段，背景有一尊神秘而古怪的神像，带有印度神的某些特征。地上有小猫，黑的羊鸟和蜥蜴，看来他们都有各自的寓意。丛林深处是一片大海，从色彩和构图看，使人感觉像古老的原始传说，加上这样的一个标题，更增添了作品的神秘感。
? ? ? ? 与生与死、时间与空间的永恒中人的价值何在？人生的意义何在？单纯朴素的原始生活果真能给人带来无忧无虑的精神愉悦吗？高更在这些难解之谜中痛苦地思索着，在和幅作品中，他把自己的思索用可视的形象呈现出来。
高更简介 高更的简介
1、保罗·高更（Paul Gauguin，1848年6月7日—1903年5月9日），生于法国巴黎，印象派画家。大部份艺术史家将他归于后印象派。
2、高更的作品趋向于原始的风格。其用色和线条都较为粗犷。高更的作品中往往充满具象征性的物与人。此外他是印象派中融合了原始艺术风格的知名艺术家。现代艺术史中，高更往往被拿来与梵高并论，他们曾经是很好的朋友，互相画过对方的肖像，但最后却步上不同的道路，并没有维持很好的友谊。高更不喜欢都市文明，反而向往蛮荒的生活，这些都在他的作品中看得出来。
如何评价保罗高更？
克里斯·保罗，这位身高只有1.83米的小个子新秀，仅在NBA打了一个月，却，得到了两个非常响亮的称号：“NBA的新蜂王”、“微笑刺客第二”。
高更不仅是伟大的艺术家，而且是一位特别好的良师益友。高更喜欢让人明白：一幅好画应相当于一个好的行为。当你和他接触时，你就不能不想到一定的责任。
从艺术史上说，高更是象征主义的主导性人物，各种原始主义的先驱，风格主义的大师。他具有在思想、感受与视觉形象三者之间保持神秘平衡的能力。英国作家毛姆以高更为原型创作了长篇小说《月亮和六便士》。
高更画作多描绘岛民原始风俗与仪式，人物造型浑厚丰实，色彩大面积平涂，线条轮廓醒目，富于象征意味和装饰效果，对象征主义和超现实主义影响较大。
他是个几乎完美的控卫、日趋成熟的领袖，在这些年他取得了长足的进步，大学一年级时力压杜克的洛尔·邓成为ACC赛区的最佳新秀，并且抢断也排在该赛区第一证明了他的防守上做出的贡献。
他是一个性的画家。一个绘画的人，应该有自己独立的认识和见解，我不想用自己的任何观点来形容他。色彩，构成，语言，寓意，他有他的认识表达。一个忠实的艺术工作者。
高更的绘画风格和主要作品
西方绘画在印象派之前虽然也很强调素描和线条，但在上色之后，线条就被遮盖住的。达·芬奇首创的晕涂法，就是力图在两块不同颜色的衔接处表现出“渐变”的效果，从而避免产生锐利的线条感。但自从印象派彻底否定了素描和线条之后，更新一代的画家们却走向印象派的对立面。他们越来越受到日本浮世绘的影响，从而赋予了线条以独立的地位。所谓的“景泰蓝画法”，即先用黑线条构出一个个封闭的轮廓，然后在各轮廓里平涂上颜色。高更的这幅《布列塔尼的猪倌》，尝试的就是这样一种画法。虽然有些地方仍可看出属于印象派的小笔触，但主要的色块都是勾着黑边的，而且色块里的颜色都是平涂的。这两点，是对印象派理念的根本背弃。
可以想见的是，如果是先勾轮廓然后再平涂颜色，那一幅画就只是由几个不同颜色的平面组成而已。那么，怎么才能表现出纵向的立体感呢？以前的画家们表现立体感，是一定要借助“远小近大”的透视法和明暗对比的。可这一切又与 “像小孩子一样画画”的简化形状的宗旨相违。为了解决这个难题，高更在此又“借鉴”了塞尚。塞尚的探索就是要抛弃明暗对比，力求只通过色块的对比来赋予平面以“深度”，从而表达立体感。在这幅《雅格与天使搏斗》中，高更也是这样做的。白色的帽子、红色的土地和天使黄色的翅膀，形成鲜明的对比。一棵倾斜的树干将画面一分为二，也有助于产生前和后的错觉。前面是真实的世界，后面是农妇们听完布道后所产生的幻象。这幻象比例不准，而且没有阴影。高更就是想借此表达出宗教的神秘和象征意义。好笑的是，高更本来是把这幅画作为礼物送给当地教堂的。但牧师看了之后却拒绝了，认为这是一个恶意的玩笑。
于是，眼睛看到的真实颜色就完全无关紧要了。在高更看来，选用颜色的时候只有两点值得考虑。一是这种颜色的象征意义；二是它与邻近颜色所产生的对比效果是否能产生“平面深度”的感觉。后一种尝试正是源于塞尚的思想，这也正是塞尚把高更称为“骗子和小偷”的原因。
由上我们可以看出，除了性格和宗教背景的差异之外，凡高和高更在对绘画的理解上也有着本质的不同。凡高对客观的真实十分注重，只是在这个基础上做必要的夸张，以达到“表现自我”的目的；而高更对客观真实却毫不在意。他极力简化形状，以赋予作品暗示性和象征性。他追求的是让观者产生联想。在笔触上，凡高用各种各样的小笔触----点、小直线、特有的旋涡笔触；而高更却是大面积的平涂。在用色上，凡高十分注重补色原理，经常把互补的笔触并列在一起，使其“彼此渗透以产生神秘的色调颤动”。而高更用色的时候则只考虑其象征意义，以及颜色对比所可能产生出的空间感。这两幅自画像，便很好地体现出两人技术上的差异。
保罗·高更保罗·高更(Paul Gauguin)(1848-1903) ，生于巴黎，逝于马克萨斯群岛的法都—伊瓦，是法国后印象派画家、雕塑家、陶艺家及版画家，与塞尚、梵高合称后印象派三杰。他的画作充满大胆的色彩，在技法上采用色彩平涂，注重和谐而不强调对比，代表作品有《讲道以后的幻景》等。
（跪求：选为最佳答案）图片：http://image.baidu.com/i?ct=503316480&z=&tn=baiduimagedetail&word=%B8%DF%B8%FC&in=6530&cl=2&lm=-1&pn=0&rn=1&di=30814311270&ln=2000&fr=&fmq=&ic=&s=&se=&sme=0&tab=&width=&height=&face=&is=&istype=#pn13&-1
作家杨大侠点评高更风格。我是谁，我从哪里来，我到哪里去？印象派画家高更在他的画里曾经这样问过自己，而这几乎也就是全人类从始至终所面临的终极问题的全部。
高更早期作品追求形式的简化和色彩的装饰效果，但还没有摆脱印象派的手法，后期把虚构和象征置入画作。
代表作《裸体习作》，《布列塔尼的猪倌》，《雅各与天使搏斗》，《黄色的基督》，《美丽的恩琪拉》，《塔希提的年轻姑娘》等。
保罗·高更（Paul Gauguin，1848—1903）法国后印象派画家、雕塑家，与凡高、塞尚并称为后印象派三大巨匠，对现当代绘画的发展有着非常深远的影响。
高更生于法国巴黎，他把绘画的本质看作是某种独立于自然之外的东西，当成记忆中经验的一种创造，而不是一般所认为的那种通过反复写生而直接获得的知觉经验中的东西。和大多数同时代的艺术家相比，他的探索在更大程度上受到原始艺术的影响，特别是他对南太平洋热带岛屿的风土人情极为痴迷，这似乎要从他的家族背景和成长经历中追根溯源了。
英国作家毛姆曾以高更的经历为蓝本写过一部著名的小说《月亮与六便士》，其中虽然对高更的生平与人格多有歪曲，但也正是这部小说让高更出众的才华与过人的勇气得到世人关注，而高更的人生经历以及他的画作所体现出的对于现代文明的深刻反思也是非常具有典型性的。
高更是怎么成功的
保罗·高更是法国后印象派画家，雕塑家，与梵高、塞尚并称为后印象派三大巨匠。代表作品有《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》《黄色的基督》《游魂》《敬神节》等。 保罗·高更生于法国巴黎，年轻时做过海员，后成为一名股票经纪人。1873年，高更开始学画，并在1883年成了一名职业画家，他曾连续4次参加印象主义画派的展览。1886年，高更离开巴黎来到布列塔尼的蓬塔旺小镇作画。第二年，高更又横渡大西洋来到西印度群岛的马提尼岛，岛上的热带风光给他的艺术以启发，他的作品在形式和色彩上进一步简化，以此来传达纯粹的感受和心灵的内容。1890年之后，高更日益厌倦文明社会而一心遁迹蛮荒，太平洋上的塔希提岛成了他的归宿。1897年，高更贫病交加，曾企图自杀。1901年，他离开塔希提岛前往马克萨斯群岛，两年后去世。
一句话概括就是：渣男的疯狂与伟大
这世界上有一些人，是没办法用世俗的观点去定义的，很多答案只能教给时间来评判。
第一次知道“高更”这个名字是因为梵高。关注我的人都是知道我是梵高脑残粉，特地跑到荷兰的梵高美术馆和穆勒艺术馆去看真迹，买了无数关于他和他作品的文章，为他写的文章一篇接一篇。因为他的个性更因为他的作品的美。
梵高的美，是一种世人看得见的美，多少人为他的画赞叹，为之敬仰甚至为之追赶潮流。看梵高的生平事迹时，看到了割耳事件时他身边的那个人，和他一起住在法国阿尔勒小村庄的另一位画家。高更。
只是那时候，梵高的光芒太耀眼了，我们完全不会注意到他身边的人。
直到看过毛姆以高更为原型创作的《月亮与六便士》，才对这个神经病一样的后现代主义画家感了兴趣，才让更多的世人关注到这样一位非同寻常，近乎疯狂的画家。
没错，对于高更，我想很多人讨论的最多的，是他这个人本身，有时更胜过他的作品。
这是高更以最大的热情完成的一幅“宏伟的作品”。此时的画家在塔希提岛上，贫病交加，心情沮丧，极端愤世嫉俗，他曾决定自杀，喝下毒药却被人救活。就是在这样的逆境中，高更以巨大的热情完成了此画。此画反映了高更完整的人生观，表现了人类从出生到死亡的过程。虽然这些形象、色彩和构图看上去很像神话传说，再加之那富有异国情调的渺远、神秘的意境，更加给人一种神秘感，其实画家在此所表现的只是那些土著人一种偶然的臆想。此画可以说是高更对塔希提岛多年生活经验的综述，也是献给自己的墓志铭。
就在高更万念俱灰的时候，他的妻子为他争取到了参加丹麦画展的机会，他赶紧选了自己在帕皮提画得最好的 8 幅画送去。
皇天不负有心人呐，其中有一幅名为《死神的凝视》的画作，当时引起了巨大的反响。
只见一个年轻的裸体女子，趴躺在床上，她身后还站着一个老妇人，这位老妇人扮演了死神的角色。
画中的女子是真实存在的，她是当时高更在大溪地的情人，嗯，是的，他出轨了。
?
高更说：" 有一天晚上我回到家，看到她趴躺在那里，一动也不动，然后眼睛睁得大大的，透露着恐惧的神情。她趴着的姿势对我来说太有趣了，本来这里的人就对死神非常有敬畏之心，所以我用紫罗兰色、浅蓝色、橙黄色体现了阴沉、悲伤、可怕，就像一个葬礼一样。
?
背景还有几朵花，它们并不是真实的，我把它们想象成火花，对于当地人来说，他们会把夜晚的磷光当作死神的灵魂，他们相信那就是死神，而且确实存在那里，所以会感到害怕。"
生活就是爱开玩笑，万万没想到他开始转运了，天上竟然掉下来了一个大大的馅饼，一笔巨款砸在了高更的头上，原因是高更有个单身汉亲戚去世了，指定他做继承人，给他留下了一万三千法郎的遗产。
幸福来得太突然啊，这一下子使高更顿时走向了只用画好画，其他都是浮云的生活。有了生活保障的高更，决定重返大溪地。
没有成功 艺术家只与自己的作品相关联 身后的名气多少与炒作有关
如果是指艺术上的成功 那就是不管别人的目光只坚持自己的选择 从心理看重自己的作品质量
高更的早期绘画，带有实验性，也很拘谨，令人联想起在巴比松画派(BarbizonSchool)影向下毕沙罗的作品。色彩略见后来发展的迹象，但仍很拘谨。他把颜色做块面处理，自由地加重色泽的明亮感：例如以鲜亮的蓝色画阴影，以红色画屋顶，而使之自背景中突出。
高更在技法上采用色彩平涂，注重和谐而不强调对比，《讲道以后的幻景》就是这种艺术处理的代表作。他的绘画风格与印象主义迥然不同，强烈的轮廓线以及用主观化色彩表现经过概括和简化了的形体，都服从于几何形图案，从而取得音乐性、节奏感和装饰效果。其理论和实践影响了一大批画家，被誉为继印象主义之后在法国画坛上产生重要影响的艺术革新者。
高更的解释
高更的解释 (paulgauguin,1848-1903)法国画家。后印象画派代表人物。做过海员和证券 经纪 人。曾 多次 去法国布列塔尼的古老村庄创作， 逐渐 形成自己 独特 的 单纯 性和 装饰 性风格。后到南太平洋塔希提岛，描绘岛上的风土 人情 和古老的神话传说， 追求 原始艺术趣味 和平 面 效果 ，色彩单纯 强烈 ，线条 粗犷 ，具有浓厚的东方风格。作品有 《两个塔希提 妇女 》 、 《讲道以后的幻景》 等。 词语分解 高的解释 高 ā 由下到上距离大的，与“低” 相对 ：高峰。高空。高踞。 高原 。高耸。 高山流水 （喻知己、 知音 或乐曲高妙）。高屋建瓴（ 形容 居高临下 的 形势 ）。高瞻远瞩。 高度：他身高一米八。 等级在上的：高级。高考。 在 更的解释 更 ē 改变 ，改换：更正。更生（重新获得 生命 ，喻复兴）。 更衣 （a．换衣服；b．婉辞，上厕所）。更定（改订）。更迭（轮流更换）。更递。更番。更新（旧的除去，新的建起）。更张（ 调节 琴弦，喻变更或 改革 ）。
高更《我们从哪里来？我们是什么？我们往那里去？》赏析
高更特别钟爱大溪地，他拒绝文明社会的虚假，追求那种简单、原始的生活。1897年，他开始了一幅他认为是此生最重要的画，以表达他心灵最深的感触。这幅画在1898年完成，完工后他特别起了一个标题，并把标题写在画的左上角：“我们从哪里来？我们是什麽？我们往哪里去？”，并在右上角签上名，注明日期。他要所有的人都明白这幅的画象征性的意义。这种做法几乎是前无古人，后无来者，可见他对这幅画重视的一般。
在完成这幅画后，高更曾经企图自杀。我们虽然不知道真假，但是一连串的打击让他对人生感到愤概。那时候他的经济情况相当拮据，他的酗酒和梅毒又让他备受痛苦。特别是1891年的一封信，通知他21岁女儿的去世，让他万念俱灰。在当年的一封信中，他愤恨地说：“我的女儿已经死了，我现在不再需要上帝。”这幅画就是他整个人生哲学的代表。他问这些问题并不是因为他有答案。相反地，这幅画更像是高更的《创世纪》，他是在借着这幅画说，这些问题没有答案，人生是荒谬的。
他自己解释说，这幅画要从右向左读，画面上有三组主要的角色，分别代表三个问题。右边三个女人和一个孩子是人生的起点，代表我们从哪里来。中间那一组是青壮年期，代表我们是什么。这里有两个女人在讨论人类的命运，一个男人坐在那里，似乎有些彷徨无措的样子。一个青年人正在摘苹果，象征着人生的追寻。
在左边，一位美丽的少女正在那里沉思，更有一位在阴暗里的老妇，象征着我们往哪里去。高更说：“这个频临死亡的妇人，好像已经安详地接受了命运。”在她的脚边有一支“白色的怪鸟、、、代表着话语的无益。”它可能是高更心目中的“来世”，就是“无语”。
背后立着一位偶像，这是他心目中的“超现”（beyond），象征着人类灵性的追求。高更在一封写给评论家丰泰纳（André Fontainas，1899年）的信里说：“画里面的偶像不是一种具体的表白，而是一个雕刻，但不像野兽那麽冰冷，也不很凶暴。在我的梦中，它与我茅屋前的整个大自然融为一体，主导着我们原始的心灵。就我们的起源和那神秘的未来而言，它包含著模糊的和不可理解的因素。它对我们的痛苦是种假想的安慰。”是的，它只是一种人造的，假想的安慰。
这一切都呈现在热带的大溪地的乐园里。这里有阳光，有自由，有小溪，有蔚蓝色的海和远处离岛的山。这些都是高更离开文明社会所要追寻的。但是至终，这一切并没有带给他希望，还是让他想去自杀，有的只是悲伤和绝望。
对整幅画，他说：“我相信这幅油画不但超越了我以前所有的作品，并且我将来也再不能画得更好了。”这幅画是高更的《后印象主义》风格最突出的作品。他活泼地使用深色的重笔，这画同时充满了思想的深度和情绪的强度。他的画充满了悲伤、无奈。但是除非我们自己亲身体验过那种悲伤和绝望，可能很难要去解读，去感受那种震撼。
这就是高更，他热爱人生，厌恶现代文明的虚假和累赘。像是一个自命不凡的巨人，他嫉妒着造物主的权威，希望也创造出一片自己的天地。他拒绝也反抗他人给他安排的次序，定意要走出自己的路子来。他是热情的、勇敢的、可佩的，但也是可悲的，孤独的。
他那段时间画的都是有宗教性象征的作品，画里充满了玻里尼西亚的异国风光。他同情原住民的福利，常常与当地的法国殖民政府和天主教会冲突。1903年时，因着与教会和政府的争执，他被判坐牢三个月，并被罚款。这时，他的身子已经被酒精和放纵的生活所淘虚。在还没来得及服刑之前，他就因梅毒病结束了一生，这时他才54岁。
极有可能，到离世时他还是没有找到三个问题的答案。他显然没有在大溪地找到，也没有在绘画中找到。他是位伟大的天才，忠于自己理想地生活，他也看见了现代社会的虚伪和丑陋。但他的悲剧是，他走不出自己的牢笼，他追求的是自由和权利，得到的却是牢笼。
“我们从哪里来？我们是什麽？我们往哪里去？”这三个问题是没有办法在我们自己身上找到满意的答案的。
