本文目录一览：
- 1、丢勒作品《九十三岁老人的习作》赏析
- 2、求丢勒的青草地赏析，急！
- 3、阿尔布雷特·丢勒有哪壹些代表作？丢勒的经典作品赏析
- 4、这幅素描作品怎么评析？
- 5、名画赏析 请以艺术的眼光 欣赏艺术
- 6、亚当与夏娃的作品赏析
- 7、诺曼·洛克威尔的著作赏析
- 8、梵高的自画像的赏析？
丢勒作品《九十三岁老人的习作》赏析
《九十三岁老人的习作》是丢勒在1521年以一位93岁老人为模特儿写生的稿子。丢勒在素描里运用了一种十分独特的手段，那就是以线组成的网形式，来展现老人身上的各种结构。这种手段在当时并不常见，这使得丢勒的素描具有了一种独特的精确性和生动性。
丢勒的素描艺术不仅具有极高的精确性，还具有丰富的表现力。在这幅《九十三岁老人的习作》中，丢勒以丰富的线条变化和明暗变化，表现了老人身上的各种细节特征。他的线条不仅具有极高的准确性，还具有一种独特的韵律感和生命力。这种生命力使得丢勒的素描具有了一种独特的生动性和表现力。
丢勒的素描艺术还具有一种非常强的理论意义。他通过线条和明暗的变化表现了老人身上的各种结构和细节特征，这种表现方式与现代素描艺术的理论有异曲同工之妙，说明丢勒的艺术早已具备了超前的现代性。
总的来说，《九十三岁老人的习作》是丢勒素描艺术中的一幅杰作，它的价值和意义不仅在于其艺术上的精湛和表现力上的独特，更在于其理论上的超前性和现代性。
丢勒（ALBRECHT DURER）1471——1528
德国文艺复兴时期最伟大的画家丢勒不仅是德国艺术的开拓者，而且是世界上最重要的绘画大师之一。
丢勒的艺术严谨而深刻，在德国是他首先将绘画创作从手工业劳动中分离出来，使绘画成了人类展现智慧的舞台。
丢勒的素描追求明确的结构关系，于是每一个细节都被他有条有理地刻画了出来。他十分执著于解剖的准确和结构关系的内在逻辑，并以科学的态度对待素描过程。与意大利的拉斐尔一样，丢勒逐渐放弃了对于自然真实的单纯模仿，转而寻求以古典艺术曾经赋予人体的理想美来表现人物形象。他试图通过对各种人体比例进行试验的方法找到一种体现美与和谐观念的确定的规则。他十分光柱有关解剖问题的研究，他的网状线条是顺着结构的起伏而展开的，这种技巧以丰富的解剖学知识为铺垫。
《九十三岁老人像》（粉笔、钢笔、墨水）是丢勒素描的代表作，是他1521年在安特卫普时以一位93岁老人为模特儿写生的稿子。这幅素描画得很精细，人物形象内在深刻，这个形象后来被丢勒运用于《圣哲罗姆》创作之中，成为德国人文主义学者的形象。
丢勒的作品代表了德国艺术的基本面貌，它既是一种颇具细致、准确、耐心的艺术，也是一种诗意、坦率、充满精神力量的艺术。丢勒的素描体现了坐着一种一丝不苟的艺术态度、敏锐的分析能力和科学的探索精神。
《母亲肖像》（木炭）是一幅木炭素描。丢勒怀着对母亲的申请，以粗犷简练的线条勾勒出了年迈的母亲形象。老人脸上虽然用的明暗调子不多，主要以线条进行描绘，但炯炯有神的眼神、布满皱纹的额头、尖长的鼻梁以及紧闭的嘴唇……每一个细节都被丢勒充满激情地表现了出来，头巾和衣纹的用线也处理得虚实交错、松紧得当。这是一幅经典的素描作品，凝聚着画家卓越的艺术才华。
求丢勒的青草地赏析，急！
1503年，丢勒的《青草地》问世。《青草地》这幅水彩画无疑是伟大的杰作，足以流传于后世。丢勒画出《青草地》，实际上是他在认真研究花卉。大自然的这些花卉令他惊奇，他要将田间地头所有的植物的每一个细节准确地记录下来。暮春三月，天空熙暖，大地湿润。春草醉软。根茎呼吸水分，枝叶伸开手掌。吐穗扬花，花苞欲放……真是一捧充满生命欢欣愉悦的青草啊！我们还看到了什么？这是些什么草？什么花？我只能摇摇头，说不出。《植物的故事》的英国作家安娜·帕福德一样样地告诉我们——牧草。婆婆纳。蒲公英。狗舌草。鸭茅。雏菊。大车前草。康穗草。欧蓍草。……丢勒对于自己的《青草地》，也很自许。他说：“纵然它们不是出自上帝之手，却让我相信‘神赐灵感笔生辉，信手挥就妙文章’绝非杜撰之事。同时我也相信看过这些作品的人再不会怀疑，画中植物能否与现实原形分毫不差了。”得意之色，溢于言表。春天景明，大地一片和畅。我们赶快走出户外，到田野，到山坡，到河边，看看我们久违一冬的草是不是长出了尖尖角，问候一下我们的树木什么时候爆出新芽，伸出双手抚摸一下我们的河水是不是有了春天的温暖……记住，别忘了，带上一本植物图本，顺便找一找并认识一下《青草地》里陌生的青草。这些青草大概只有在春天才能找得到。仅供参考！！！
阿尔布雷特·丢勒有哪壹些代表作？丢勒的经典作品赏析
阿尔布雷特·丢勒（Albrecht Dürer ，1471-1528）生于纽伦堡，德国画家、版画家及木版画设计家。丢勒的作品包括木刻版画及其他版画、油画、素描草图以及素描作品。他的作品中，以版画最具影响力。他是最出色的木刻版画和铜版画家之一。
主要作品有《启示录》、《基督大难》、《小受难》、《男人浴室》、《海怪》、《浪荡子》、《伟大的命运》、《亚当与夏娃》和《骑士、死亡与恶魔》等。他的水彩风景画是他最伟大的成就之一，这些作品气氛和情感表现得极其生动。
阿尔布雷特·丢勒不仅是画家，而且还是雕刻师、炼金术师、数学家、机械师、艺术理论家、哲学家、神秘学家、解剖学家、建筑学家，他还创立了筑城学理论。
丢勒最为传世的作品是这幅《手》，后来被人们改名为《祈祷之手》，其影响力超过其他任何作品。
这幅画的背后有一则爱与牺牲的 故事：
十五世纪时，在德国的一个小村庄里，住了一个有十八个孩子的家庭。父亲是一名冶金匠，为了维持一家生计，他每日工作十八个小时。 生活尽管窘迫逼人，然而这个家庭其中两个孩子却有一个同样的梦想。他们两人都希望可以发展自个在艺术方面的天份。不过他们也了解，父亲无法在经济上供他们俩到纽伦堡艺术学院读书。晚上，两兄弟在床上经过多次讨论后，得出结论：以掷铜板决定──胜者到艺术学院读书，败者则到附近的矿场工作赚钱;四年后，在矿场工作的那一个再到艺术学院读书，由学成毕业那一个赚钱支援。假如需要，大概也要到矿场工作。
星期日早上做完礼拜，他们掷了铜板，结果，弟弟Albrecht Durer胜出，去了纽伦堡艺术学院。哥哥Albert则去了危险的矿场工作，在其弟弟上大学的时候来为弟弟提供经济支援。Albrecht在艺术学院表现非常突出，他的油画简直比教授的还要好。到毕业时，他的作品已能赚不少钱了。 在这位年轻的艺术家返回家乡的那一天，家人为他准备了盛宴，庆祝他学成归来。当漫长而难忘的宴席快要结束时，伴随着音乐和笑声，亚尔伯起 身答谢敬爱的哥哥几年来对他的支援，他说：「现今轮到你了，亲爱的哥哥，我会全力支援你到纽伦堡艺术学院攻读，实现你的梦想！」
所有的目光都急切地转移到桌子的另一端，坐在那里的Albert双泪直流，只见他垂下头，边摇头边重复说著：「不……不……」
终于，Albert站了起来，他擦干脸颊上的泪水，看了看长桌两边他所爱的亲友们的脸，把双手移近右脸颊，说：「不，弟弟，我上不了纽伦堡艺术学院了。太迟了。看看我的双手──四年来在矿场工作，毁了我的手，关节动弹不得，现今我的手连举杯为你庆贺也不大概，何况是挥动画笔或雕刻刀呢？ 不，弟弟……已太迟了……」
四百五十多年曾经了，Albrecht Durer有成千上百部的杰作流传下来，他的速写、素描、水彩画、木刻、铜刻等可以在世界各地博物馆找到;然而，大多数人最为熟悉的，却是其中的一件作品。或许，你的家里或者办公室里就悬挂著一件它的复制品。
为了补偿哥哥所做的牺牲，表达对哥哥的敬意，一天，Albrecht Durer下了非常大的工夫把哥哥合起的粗糙的双手刻了下来。他把这幅伟大的作品简单地称为「双手」，然而，全世界的人都立刻敞开心扉，瞻仰这幅杰作，把这幅爱的作品重新命名为「祈祷之手」。
下次当你看到这幅感人的作品，仔细看一下。假如你也需要这么一幅画，就让它成为你的提醒，没有人──没有人能单枪匹马地获得成功！
这幅画家29岁时画的半身肖像与真人等大，他穿着华贵的裘皮大衣，正面望着我们，同时把右手放在胸前，手指著自个的心脏部位。在那个时代，这种神圣的正面姿态往往只用于画基督或国王，丢勒这样画，可能是要向人们表明，艺术家的神奇创造力在某种意义上是与上帝等同的。他把北方严整细致的传统风格同文艺复兴艺术的建筑性和体积感融为一体，形成了自个的独特风格。
这幅素描作品怎么评析？
这个是丢勒画的《九十三岁老人像》，是丢勒的代表作之一。丢勒擅长用弧线去表现人物的形体，素描追求明确的结构关系，无数的细节而又不失整体。
这幅素描作品非常出色，作者展示了高超的素描技巧和对细节的关注。以下是对该作品的评析：
1. 线条表现：作者使用了不同粗细和深浅的线条来表现物体的轮廓和阴影。这些线条在传达形态和立体感方面起到了关键作用。
2. 阴影处理：通过细腻的阴影处理，作者突出了作品的立体感和物体的质感。阴影在表现形态和情感方面具有重要作用，而作者在此方面做得非常出色。
3. 细节把握：作者对细节的把握非常到位，使作品更加逼真和引人入胜。例如，草的细节、石头的纹理以及树木的枝叶等，都增强了观者对作品的感知。
4. 构图与比例：作者在构图和比例方面也表现出色。作品中的各个元素相互呼应，形成一个和谐的整体。比例准确，没有明显的失调或冲突。
5. 情感传达：这幅作品不仅在技术上表现出色，还传达了一种平静和和谐的氛围。观者在欣赏时可以感受到作者对自然和生活的热爱与敬畏。
总之，这幅素描作品展现了对素描艺术的精湛技巧和对细节的敏锐感知。它在传达形态、质感和情感方面都非常出色，是一幅值得欣赏的作品。
名画赏析 请以艺术的眼光 欣赏艺术
一、乔托《犹大之吻》
聚焦于基督和犹大之间心理交锋的瞬间。基督坚定的目光回应犹大的注视，眼神中只有对背叛者的谦卑和同情。在指控、欺骗和背叛的喧嚣中，基督保持着始终如一的怜悯。乔托首次赋予形象鲜明的人性动机，以及传统绘画欠缺的心理深度与逼真感。
二、马萨乔《纳税银》
画面描绘了《马太福音》里的故事：税吏质问耶稣是否缴纳了税。画面中央税吏正在索要纳税银，场景延续至画面左边，彼得从鱼口中取出钱币。右侧，彼得交给税吏纳税银。马萨乔将三个独立场景浓缩于一幅画面之中，赋予角色人性化的感情，同时在古典主义基础上加入了技法的革新。
三、扬 ? 凡 ? 艾克《阿尔诺芬妮夫妇像》
这幅谜一般的双人像，描绘阿尔诺芬尼和新妻宣誓的场景，展示出扬 ? 凡 ? 艾克卓尔不凡的传递细节和光线的能力。夫妇的姿势和不同寻常的细节设置，都有独特涵义和象征性，镜中反射出夫妻背影和画家本人。
装饰性拉丁铭文写着：「1434年，扬 ? 凡 ? 艾克在此。」《阿尔诺芬尼夫妇像》不但是新型油画深入表现的最早尝试，也是后世风俗画和室内画的最早先例。
四、保罗 乌切洛《圣罗马诺之战》
乌切洛名作《圣罗马诺之战》，显示出直线透视法领域的突出成就。前景是交战双方，后面是持矛的队伍，地上横七竖八丢弃的武器盔甲。背景经过几何式的抽象处理和透视安排，具有强烈的空间效果。
乌切洛首次在理性层面上，探索总结出「焦点透视法」，不仅使二维空间艺术在视觉上趋于科学性，而且使东西方绘画的空间经营从此分道扬镳。
五、波提切利 《维纳斯的诞生》
希腊神话中，克罗努斯阉割了乌拉诺斯，重伤的生殖器坠入大海，孕育出美女维纳斯。《维纳斯的诞生》正是描绘维纳斯从金色贝壳里涌现。风将她吹至岸边，用玫瑰为她沐浴，仙子正把装饰着春天花朵的斗篷围在身上。此画是古典时代以来，最重要的描绘躶体之作。
六、丢勒 《野兔》
丢勒的作品当中融合了北方的精工细描，与南方佛罗伦萨画派的科学严谨。《野兔》一丝不苟的细节极为引人瞩目，照亮野兔的金色光线投下奇怪的阴影，把每根独立的毛尖都凸显出来，不同凡响的处理呈现出魔幻的质感，仿佛动物也在思考着观者。丢勒现存作品的多样性和品质，证明了其在艺术史的重要地位。
七、博斯《人间乐园》
博斯非同反响的大型三联画《人间乐园》：通过透视与风景的衔接，从左至右，描绘了人类从纯美的天堂，途经充满变数与挣扎的人世，逐渐堕落至罪恶地狱的全过程。充满奇幻色彩的想象，对20世纪超现实主义有深远影响。
八、乔尔乔内《牧羊人的朝拜》
《牧羊人的朝拜》是文艺复兴盛期最精美的基督诞生画之一。圣家族在黑暗洞口接受牧羊人的朝拜，沐浴的柔和光线意喻基督把光明带给世间，玛利亚身着华丽的红蓝相间的织物。威尼斯淡金色的天空色调，和浓郁的田园氛围，让这幅基督诞生画与众不同。
亚当与夏娃的作品赏析
这幅作品在表现风格上，明显受意大利画风影响。每个人体都占满画面空间，成为可以独立的人体作品。夏娃动势优美，富于舞蹈性，左手去摘树上被禁的“罪恶之果”，右手扶在树枝上，双脚一前一后，婀娜多姿，显示了女性的妩媚与青春活力；亚当带有明显的古希腊风格倾向，更内在，也更平静，左手捏着带叶的苹果，右手摆向后面。亚当和夏娃互为呼应，夏娃脸部呈现出的微笑，反衬出亚当的内心惶惑。丢勒游历艺术之邦意大利最大的收获，是对人体艺术的兴趣，自27岁以后，他曾竭尽全力去探索男女人体的完美比例，从古代希腊人体艺术中悟到了真谛，并融化于自己的人体艺术创造之中。《亚当与夏娃》采用祭坛屏板的样式，将亚当与夏娃分别画在两块竖板面上，人物形象顶天立地充满画面空间，形成独立的两幅男女裸体像。《亚当与夏娃》画于两块长条形祭坛屏板，让传说中的人类祖先亚当与夏娃分别占据画面的两侧，分开便可成为两幅独立的男女裸像。其中夏娃左手摘禁果，右扶树技，正在行走，光彩照人的似舞形体给人活泼秀美的楚楚动感。亚当的形体不如夏娃细腻优美，他半张嘴，头发散乱，表情恍惚、惶恐，左手紧张地捏着一截带果的枝叶，亚当的难堪拘谨与夏娃的微笑自然，形成风趣的映照。两人的阴部均被簇生的树叶遮住。德国的文艺复兴思想比南欧晚起，民情对性爱问题持更严肃态度，因而德国民族对人类性文明的贡献大量体现在性科学领域。丢勒乃至其他德国艺术家对人体艺术投注的精力也不如意大利与法国艺术家多。《亚当与夏娃》对人类的性与肉体美体现了不偏不倚的中性立场，通过男女形象的动静粗细结合，忧喜参半地表现出来，符合当时处于宗教改革时期德国文化的特点与要求。
诺曼·洛克威尔的著作赏析
在这幅作品中，洛克威尔独具新意。这幅作品创作于1960年。他画的是他自己一边对着一面镜子一边画他自己，但他又不是真的一板一眼地把镜子里的自己画在画板上，事实上，画板上的洛克威尔没有戴眼镜，而镜子里他的双眼却藏到了眼镜的后面。如果你再仔细观摩，你还能注意到，其实这上面不只是三个洛克威尔，左上角还有好几张他画的草图，加起来一共有九个。画家画自画像古来有之。洛克威尔在这副作品中还巧妙地把其他画家的自画像嵌入在画中。比如右上角的第一张小图是阿尔布雷特·丢勒(Albrecht Durer,1471－1528)26岁时的自画像。还有一张是梵高(Vincent Van Gogh)36岁时的众多自画像中的第二幅。第三张显然是毕卡索(PabloPicasso)的作品，我以前没有见过这幅画(Woman&Self Portrait)，但一看就是毕卡索的，只是色彩与原作不太一样。第四幅应该是伦勃朗(Rembrandt Harmenszoonvan Rijn)1652年的作品(Standing Self-Portrait)，尽管不是很相，但凭着伦勃朗在自画像(Self-portrait)中的地位，我肯定是他的作品。如果把这些都加起来的话，那么一共应该算十三个。“三人自画像”是他的一个代表作，它表现出了作者的幽默，而幽默贯穿了画家整个一生。在他去世15年后发行这枚邮票以纪念他诞辰一百周年，使我们年轻的一代，特别是新一代移民，得到了一次了解这位上一世纪的杰出画家的机会。《爱说闲话的人》酝酿期长达13年。洛克威尔被这个主题深深吸引着，之前他曾为这个主题作画，1948年的版本开始只画了两个爱说闲话的人，后来增加到10个，最后发展成为一幅由15个不同人物组成的生动绘画，这些人据洛克威尔说，都是他在阿林顿的邻居，他将自己与妻子玛丽也放了进去，避免有人怀疑他侮辱邻居，但是还是有人非常生气。他自己是谈话的主题，作品右下角，就是他与这些流言的始作俑者进行了对质。诺曼洛克威尔在这座小镇生活了25年，可谓是了如指掌，这座小镇在马萨诸塞州斯托克布里奇，画面中，有公共图书馆、古董店、礼品店、保险公司，带有希腊风格的超市、理发店、老城镇会议办公室、新城镇银行，杂乱无章的维多利亚风格的酒店，右角是洛克威尔位于南街的住所与画室。画作完成后两年，画面中左侧的“旧街角”被改造成了诺曼洛克威尔博物馆。《一个小女孩的一天》是典型的美国女孩的真实生活写照，讲述了一个完整的故事，因为很多读者都很喜欢。《一个小女孩的一天》是《一个小男孩的一天》的姊妹篇，分别刊登于《星期六晚邮报》，洛克威尔为《星期六晚邮报》创作的插画受到多国人的追捧，因为反应了美国文化的精髓。
梵高的自画像的赏析？
凡高是
荷兰人
,但长年
生活在法国
,
是后
印象派的重要的
画家
。
1887年
，通过弟弟
提奥
的介绍，凡高
在巴黎
见到毕沙罗，
修拉
、和
高更
。开始接受印象派的
画风
。更加强调用
色彩
突出
主题
的
绘画
风格
。在他的画中，总是一片色彩和
笔触
的狂欢，这种
画面
所造成的气氛效果表现出一种罕见的旺盛的生命力。这副《
自画像
》就是如此。凡高一生画过无数的《自画像》，这幅《自画像》属较前期作品。
我们知道凡高的出生是他父母
心灵
的慰藉，他取名叫
文森特
，
一年前
死于难产的哥哥也叫文森特。弟弟提奥四年后才出生，这个时候凡高就开始有
忧郁症
。可能是长期的忧郁而精神受创，或是家庭遗传，或是其它等等原因造成的。“关于他的疾病真正原因不是很确定；最近的医学研究倾向于认为是“癫痫”，而非曾经认为的“精神分裂症”。在病情发作间隙，他还能画画。他最伟大的作品中的几幅就是在发病和恢复那个时期创作的。”不管怎样说，凡高从孩提时代就开始自我封闭和精神忧郁。
青少年时代
，家庭经济窘困，凡高不得不离开家门谋求合适的职业以便将来过上正常人的生活，他先后做过
画商
、
牧师
等职业，但是均被辞退。28岁才拿起
画板
，又因为年龄较大前景不被看好。甚至连长期给他做
模特
的
妓女
都拒绝了他一起建立家庭的愿望。
1888年
，凡高主动邀请高更来
阿尔
一起写生，但是执拗的凡高因为对
艺术
的不同理解与高更大动干戈，这可贵而“罕见”的友谊在高更的愤然离去中撕裂，凡高也因此
割下
自己的耳垂以示愧疚。但撕裂的友谊无法弥合，凡高更加孤独，可能也是他这一时期艺术最为伟大的原因。随着弟弟提奥娶妻生子后，家庭经济也陷入了困顿，要继续给凡高以渴望的支持似乎勉为其难。
1889年
的一天，弟媳为不断加重生活负担与提奥激烈争吵，前来走访的凡?高恰好在他家
门外
，维系他艺术生命的经济支持出现了新问题，凡高内疚、孤独而黯然神伤，默默的离开弟弟家门。次年，积重难负的凡?高终于癫痫再次发作而被送往
圣雷米
精神病院
。
两个月
后，孤独的在奥弗尔开枪自杀。纵观凡?高的一生，他生而孤独，活着孤独，也因孤独离去。不难理解他的自画像上镌刻着孤独的
印痕
。成熟期四十多张自画像绝大多数是胸像，没有一张全身像也能揭示
艺术家
的孤独和渴望与他人建立交往。因为艺术史上没有哪一位艺术家如此接近并审视自己和真实的描画自己。数量之多，目光之坚定自信绝无仅有。画了十年的画没有一幅作品售出更加剧了这种孤独。与孤独为伴的另外一个主题构成凡高自画像精神内容，它就是“自信”。经过不懈的艺术追求，凡高强烈的发展着对于自己和艺术的自信。
读过《亲爱的提奥》很有感触，梵高可谓饱经尘世冷暖，成就百年辉煌！
一瞬间，无限的艺术！
凡高和丢勒、伦伯朗一样，在画史上以自画像著称。凡高一生很少拍照，目前我们只能看到三张关于他的清晰相片，而且都是21岁之前的。然而在1885到1889四年间他却以惊人的耐力画了四十多张自画像，完成这些作品并不是件容易的事，还没有哪位艺术家能象他这样在观众面前将自己暴露无遗。透过这些记录，我们深深地了解了一个人的痛苦、恐惧、自我怀疑、精神折磨以及生活中偶尔的快乐。凡高曾说希望一个世纪之后自己画的肖像在那时人的眼里会如同一个个幽灵，那么在今天看来他的愿望实现了。
《戴黑边帽的自画像》完成于
凡高和丢勒、伦伯朗一样，在画史上以自画像著称。凡高一生很少拍照，目前我们只能看到三张关于他的清晰相片，而且都是21岁之前的。然而在1885到1889四年间他却以惊人的耐力画了四十多张自画像，完成这些作品并不是件容易的事，还没有哪位艺术家能象他这样在观众面前将自己暴露无遗。透过这些记录，我们深深地了解了一个人的痛苦、恐惧、自我怀疑、精神折磨以及生活中偶尔的快乐。凡高曾说希望一个世纪之后自己画的肖像在那时人的眼里会如同一个个幽灵，那么在今天看来他的愿望实现了。
《戴黑边帽的自画像》完成于1886年初，是他忧郁系列的一部分。这一时期， 他开始挨饿，还要接受梅毒病的治疗，并且拔了十颗牙，这最终使他蓄起了胡子以掩饰缺齿的尴尬并正好为口音中的"hissing"声找到了借口。"我仍然必须去承受很多，尤其是那些不可改变的东西，比如容貌、说话的声音以及服饰。"
这张自画像作于凡高1886年2月刚到巴黎后不久，在这里他比以前要自信许多。"无论在这儿的生活将如何艰难，即使会比从前更糟，但至少法国的空气清新了我的头脑，它对我是有好处的。"
这是第一张显示出凡高受到印象派影响的自画像，尽管他对之理解很慢并且始终没有全部认同其主张，但它却改变了凡高对色彩的看法。"永远记住今天艺术所需要的是非常鲜活的东西，是强化有力的色彩。""我变得越丑、越穷、越有病，我越要通过创造明亮、有序、灿烂的色彩来复仇。"
"我喜欢画人的眼睛胜过那些教堂，在眼睛的深处藏着一种无论多么感人，多么肃穆的教堂都没有的东西。我关心人的灵魂而不是结构，无论这灵魂属于一个贫穷的恶魔还是妓女。
这幅自画像同上一张大致画于一个时期（1887年夏季，巴黎）。"你知道，我个人的冒险主要是快速成为一个满脸皱纹，胡子粗硬、牙齿松动的小老头。"
"我希望能画出男人和女人那些永恒不灭的东西，人们常用光晕来象征它，我则试图通过色彩的真实颤动和闪烁来传达它。"
这张自画像画于文森特和提奥关系不太好的一个时期，这时提奥受着神经紧张和身体疾病的困扰。从这幅作品中可以看出文森特辐射出的接近于攻击性的自信。
这张《有日本画的自画像》很可能画于巴黎著名的Tambourin咖啡馆，在这儿凡高曾说服它的女主人举办了一次日本绘画展。凡高和其他现代艺术家一样深受日本浮士绘影响，他说："我不可能不怀着喜悦与欢乐去学习日本艺术。"
这是凡高1888年早期在巴黎画的最后一张自画像，他自己将它称为"死亡之脸"，并在一封信中这样写到："透过这张面对镜子画的自画像我得到了一个关于自己的概念：桃灰色的脸上长着一双绿眼，死灰的头发，额前与嘴周满是皱纹，呆僵木讷，非常红的胡子，被忽略而且充满哀伤。"后来，凡高的兄嫂说这是他所有自画像中最象的一张。
这幅肖像画于凡高到阿尔后不久，在这儿他非常喜悦并充满热情，"我确信哪怕仅仅呆在这儿，我的个性都会得到自由。"
1888年凡高开始认识阿尔以及它周围的乡村，"打动我并且使绘画如此有魅力的是这儿清新的空气，在故乡看到的只有灰色的地平线，而在这儿，即使再远的地方，物象的轮廓也清晰可辨，这给了人空气和空间的理念。"
凡高1889年与高更大吵一架后割掉一只耳朵，他画这张画使自己和提奥相信他已经从伤痛中康复过来，"我相信这幅肖像比我的信更能清楚地告诉你我这儿发生了什么。"
这是凡高的最后一张自画像，令人悲伤并具有讽刺意味的是它事实上是一个谎言。1889年初，凡高的母亲度过了她70岁生日，尽管不常联系，凡高对她仍怀有温暖的记忆，这年年底，他决定将这张自画像送给她，主要是为了使母亲对他的健康放心，所以在这儿他比以往显得健康、年轻、整洁许多，然而这些并无法掩饰其眼底的绝望。最后凡高给了母亲一张画着阿尔卧室的画而把这张挂在自己的墙上。
