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安格尔素描,世界名画《泉》

admin admin 发表于2024-04-02 03:27:05 浏览25 评论0

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安格尔素描解析？他的素描好在哪儿？请具体说明 ？

　　让-奥古斯特-多米尼克·安格尔（Jean-Auguste-Dominique ingres，1780—1867）法国新古典主义画家。古典主义画派最后的代表人物，早年曾习音乐，后从事绘画，中年以后逐渐取得社会声誉。代表作品有《大宫女》、《土耳其浴女》、《泉》等。他最伟大的贡献在于把古希腊到文艺复兴时期的火炬抓在手里，并且不让它熄灭，虽然有许多嘴想吹熄这个火，应当说他确实用心良苦。
　　安格尔的素描作品好在：造型严谨，线条精细，气质优雅。按照他自己的话说：“素描是真正的艺术”。他十分重视素描，在作品中着眼于线路和素描关系的悉心研究，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。他的绘画吸收了15世纪意大利绘画、古希腊陶器装饰绘画等遗风，画法工致，重视线条造型，尤其擅长肖像画。在具体技巧上，“务求线条干净和造型平整”，因而差不多每一幅画都力求做到构图严谨、色彩单纯、形象典雅，这些特点尤其突出地体现在他的一系列表现人体美的绘画作品中，他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构。笔法细腻，画面光润洁净，有令人惊叹的优雅效果。
　　安格尔素描作品《宫女》1825年
　　《宫女》创作于1825年，深厚的造型和素描功底支撑起画面。宫女静卧于床榻之上，姿态优美，妖娆而不媚俗，仪态大方，毫不娇羞，神态自然，一双带着笑意，灵动的大眼注视着正在作画的画家，回眸一笑，倾倒众生，一切显得那么自然，仿佛模特儿的美是神圣不可侵犯的。丰满的裸体秀色可餐，娇嫩的肌肤似乎吹弹可破，稍微碰触就如用亵渎神灵般。安格尔一生创作过大量的素描作品，达到炉火纯青的境界，十分注重细节的描绘，宫女手腕上的饰品，以及头上饰品刻画精细与大轮廓的形体形成鲜明的对比。精细的线条流畅生动，如蚕丝般滑过光洁的身体，工整细腻，没有阴影的表现，人体凹凸有致，无一丝多余的成分。画家严格的遵循着古典主义的范式，又突破古典主义的表现范畴，美是他追求的最高典范。宫女光洁的身材略微夸张，脊椎明显长于正常人，背部是女性最柔软的，性感的部位，夸大的弧线使放大的女性裸体美，达到极致。腿部的缩小与叠放的动作，增添了分调皮与可爱。也许会有人认为这是画家的失误造成的，事实上他的精细不亚于任何一位出色的数学家，每一笔的排放都是深思熟虑的结果，假如按照真实的比例描绘，那么，也不会有如此完美的杰作。宫女是画家的理想美，画中的模特不再是鲜活的人体，而是一种高高在上，不可模仿的古典美。
　　安格尔素描作品：《尼可洛·帕格尼尼》
　　《尼可洛·帕格尼尼》被很多人所熟知，也常被译作《帕格尼尼像》，在这张素描中，安格尔向世人展示了他深厚的素描功底和对线条的驾驭能力，通过研习《尼可洛·帕格尼尼》这张素描作品，可以向安格尔学习到在素描中运用线条的精髓。
　　安格尔素描《尼可洛·帕格尼尼》结构示意图
　　安格尔素描《尼可洛·帕格尼尼》中袖口的线条（A-B）是如何围绕着大拇指以显示其形体和方向的。这条线后来被压在琴弓下，表示琴弓的方向，然后又绕过食指，使这个手指也获得一种形体和方向感。
　　在指骨变化其方向时， 注意手指上的明暗变化（C-D）是怎样的。安格尔很了解这些规律：上面的面是亮的，下面的面是暗的；正面是亮的、侧面是暗的。你看弓端（E）的方块体的上面的面和下面的面的对比是何等强烈。再注意大衣翻领（F）的上下（G）块面之间的对比。很可能翻领这一位置的块面转折并不是很大，但画家们总喜欢在这里突出这个转折，表示在这个转折之下胸部正面的大块面与躯干下部的块面形成交界。
　　在（H）位置上，围巾的褶皱表示了圆柱形脖子的朝向。安格尔在这里运用了一个有趣的构思：在用线上，不论这一线条是多么短小，它被用来强调牵动人心的眼睛的瞳孔，这即是所谓画龙点睛的效果。安格尔在右边的那只眼睛的瞳孔周围加了一道较直的边线。注意安格尔是如何精确地把线条运用于大衣上（I）、大衣的口袋（J）上、围巾和翻领（K）的交界面、翻领（L）上、右手边的大衣边线（M）上的。右手上面这条大衣边线如果延伸，会正好碰到弓弦的末端。
1、安格尔素描解析
安格尔的作品展现了新古典的和谐与秩序之美，展现了新古典贵族气质，安格尔本身有着深厚的人文教养，同时也拉小提琴，是著名的音乐爱好者，这些人文修养使他的作品追求一种高尚的情操，追求崇高的精神性，甚至产生一种近似洁癖的固执，使他作品总是洁净没有一点儿瑕疵。
2、安格尔素描的优点
安格尔的素描造型严谨，线条精细，气质优雅。在他的素描作品中，线路和素描关系都是整体把握的，通过融合两者的关系从而更好的表现出作品的古典美，并提炼出一种简练而单纯的风格。
扩展资料
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日-1867年1月14日），出生于法国蒙托邦（Montauban），新古典主义画家、美学理论家和教育家。
自小父亲就培养他对艺术的兴趣，那时，他非常热衷追求原始主义。由于他用功、认真，17岁的安格尔已经是一个很好的画家了。当时，达维特正担任拿破仑的首席画师。1834—1841年，他再度赴罗马，深刻地研究了文艺复兴时期意大利古典大师们的作品，尤其推崇拉斐尔·桑西。
经过达维特和意大利古典传统的教育，安格尔对古典法则的理解更为深刻，当达维特流亡比利时之后，他便成为法国新古典主义的旗手，与浪漫主义相抗衡。
参考资料来源：
百度百科-安格尔素描解析
百度百科-让·奥古斯特·多米尼克·安格尔

安格尔画素描打格子吗

打。安格尔的素描造型严谨，线条精细，气质优雅。他画素描打格子。安格尔说:“素描是真正的艺术”。他十分重视素描，在作品中着眼于线路和素描关系的悉心研究，他的油画突出表现在有严谨的素描关系和形体结构。

浅析安格尔的绘画题材和绘画特点 安格尔的作品泉的绘画特点

　　十九世纪是法国绘画的辉煌时期，其主流是由学院派掀起的新古典主义绘画运动。让·奥古斯特·多米尼克·安格尔是新古典主义学院派的领导人，他继大卫之后将古典主义推向新的阶段，在理论和实践中进一步确立了古典主义。安格尔画风线条工整，轮廓确切，色彩明晰，构图严谨，极力追求形式上的完美。
　　一、安格尔的绘画题材
　　安格尔作为古典主义学院派大师，留下了丰富的作品。其创作主要包括历史画、女性人体画和肖像画。
　　（一）历史画
　　安格尔受学院派正统影响，积极创作历史画，并自称是“历史画家”，历史画代表作有《朱庇特与特提斯》《路易十三的誓言》《荷马的礼赞》等。这些画作极力追求庄严、典雅的古典主义艺术形式。在安格尔的历史画中体现其对拉斐尔的强烈的崇拜。《路易十三的誓言》在构图和圣母人物形象的刻画方面都受到了拉斐尔《西斯廷圣母》的影响，极其相似。他的另一画作《荷马的礼赞》则模仿了拉斐尔《雅典学院》。
　　由于安格尔强调对形式的追求、“为艺术而艺术”，对法国人民的斗争和命运并不关切，其历史画中人物形象臻于完美但缺乏鲜活的个性，缺乏借古讽今的积极作用。《洛哲营救安吉莉卡》曾遭到批评——“过分注重细节的精雕细刻和画面工整，在这幅画中，人物形象十分呆板，动作也比较僵硬，失去了题材中原有的激情而显得做作，甚至连龙头形象都酷似面具”。
　　（二）肖像画
　　安格尔的肖像作品为十九世纪肖像艺术做出了杰出贡献。安格尔注重服饰和环境的质感以及主题人物的细节刻画，整体和谐而华美，《里维耶夫人肖像》《皇座上的拿破仑》《卡洛琳娜·里维埃小姐》等作品，人物外形肖似、手法严谨、画风典雅。
　　除油画之外，安格尔的肖像素描也具有极高的艺术价值，他以精确、流畅的线条刻画形象，准确而生动。这些素描充分展现了安格尔对线条的敏锐而熟练的驾驭能力，“安格尔使用的虽然是单线，却从不给人以单调的感觉。他通过轻重缓急、虚实变化的整体处理，赋予单线以极大的表现力，巧妙地传达出各种对象的不同质感和体积感。”
　　（三）人体画
　　安格尔的画作中最引人瞩目的是女性人体画，而且在他的历史画中，也出现了众多女性人体。安格尔对女性胴体的描绘相当细腻的，波特莱尔曾说：“当安格尔的天才同青春的美丽妖娆争艳时，他的幸运和强有力往往是空前的。肌肉、曲线、酒窝、柔韧的皮肤——所有这些，我们都可以在他的油画上看到。”安格尔有大量优秀的裸女画作，如《瓦尔品松的浴女》《土耳其宫女》《大宫女》《泉》等。这些画作中的女性体态匀称、神态宁静，画面色彩柔和、笔法细腻且趣味典雅。
　　安格尔最著名的女性人体作品是《泉》，是他晚年完成的，与他中年时所作的《海上出来的维纳斯》在体态上十分相似，但构图和色彩都简化了不少，体现安格尔在不同时期精神表达的变化和艺术追求的提高。
　　二、安格尔绘画特点分析
　　安格尔是古典主义的最后一位领导人，他固守古典主义美术理念，强调线条、素描和造型。
　　（1）平稳的构图。“古典主义的作品是建立在一种单纯而稳定的构图之上，对称是平衡画面的总则，古典主义油画中最大的特征是三角形构图。”利用几何学的严格和科学透视的运用，古典主义绘画，尤其是油画，讲求利用三角形构图实现稳定的画面感。安格尔画作中经常采用三角形的构图方式，如模仿拉斐尔构图风格的《荷马的礼赞》和《路易十三的誓约》，以及《朱庇特与泰提斯》等，这些作品都呈现出一种平稳而和谐的画面感。
　　（2）精准而优美的线条美。线条和色彩是安格尔和德拉克洛瓦争论的焦点，安格尔终其一生都在强调线条和素描的表现力和重要性，而贬低色彩的作用。
　　安格尔称素描为“高度的艺术诚实”，认为“除了色彩，素描是包罗万象的。”正如在前面所谈到的，安格尔在素描上颇有造诣，主要体现在线条的精准和熟练上，他认为失去了线条的精准就是“虚构人物和虚伪的感情”。安格尔在油画中也利用线条给作品注入了生命，在肖像画中对服饰、环境及神态的细致刻画，在人体画中对女性体态细腻且富有弹性的描绘，都是安格尔用线条表现出的张力和感染力。
　　（3）微妙的色彩。古典时期的绘画，冷暖色彩变化十分微弱，缺乏色彩对比关系，色彩仅仅是素描的附属物。安格尔说，“色彩是装饰绘画的，打个比方，它不过象个宫廷小姐，仅仅对艺术的真正完美起些促进作用，所以她往往显得格外迷人一些。”在安格尔的绘画中一般没有强烈的色调和明暗色彩的对比，色彩淡雅明净。
　　安格尔将色彩视为从属物并不意味着不善使用色彩，他在《安格尔论艺术·谈色彩》中就对色彩的使用进行了大量说明，诸如“有闪光的白色织物就会影响黝黑的、带有橄榄色调的人的肤色，特别要善于鉴别柔和的金黄色与冷色调子之间、人体身上意外的色调与局部性的色调之间的关系”等等，可见他对于构造色彩的和谐有着深刻思考。安格尔作品的色彩不会带给人强烈的视觉冲击，但其宁静而微妙的色彩奠定了整体和谐的基础。
　　安格尔作为新古典主义最后一面旗帜，将古典主义的绘画原则和技巧发挥到极致，创作了众多优秀作品。他强调线条、素描和造型，在这三方面极力雕琢，创造出典雅华丽的作品，而他所追求的理想美和永恒美在其画作中大放异彩。
　　参考文献：
　　[1]杨孝鸿.安格尔与德拉克洛瓦[M]山东美术出版社.2005。
　　[2]纪学艳.安格尔画传[M]中国文联出版社.2005年
　　[3]陈世宁.西方美术通论[M]南京大学出版社.2005年
　　（作者简介:冉 晨（1992-），女，湖北咸丰人，现为武汉大学文学院本科生，攻读对外汉语专业。）

绘画大师安格尔的艺术成就 安格尔的惊世之作

画家安格尔是法国出生的人，在他很小的时候他的爸爸就开始培养他，希望他对艺术可以有更多的兴趣。开始的时候他非常喜欢原始主义，而且一直表现的非常努力和认真，在他刚刚十七岁的时候就成为了一个非常好的小画家。后来还曾经去罗马研究过文艺复兴时候的作品，经过古典传统艺术的熊涛，他对于古典法则有了非常深刻的认识。画家安格尔出生的一个和绘画关系十分密切的家庭中，他的父亲是一位美术学的院士，一直在艺术气息十分浓郁的情况下长大，在很小的时候就在素描上表现出很大的天赋，于是被爸爸送到名师手下学习和深造。他十七岁的时候到巴黎遇见了自己一生的老师大卫。尽管刚开始的时候大卫并不是很看好他，可是因为安格尔非常的聪慧，于是很快就让大卫对他改变了看法，并且让他成为了自己今后的接班人。到了1824年的时候安格尔终于拥有了自己的学院，因为他非常喜欢原始主义，所以身边也有许多和他一样的人投靠了他，他们都喜欢直接而纯粹的原始风格，甚至将宗教方面的作品当成了自己最为心爱的一个题材。他还对文艺复兴那个时候的绘画十分的有兴趣，最崇拜的就是拉斐尔的风格和作品，也许是受到了拉斐尔的影响，他也比较注重细节方面的绘制，主要强调的就是纯粹而又淡漠的美感，在对待古代艺术的态度上，画家安格尔可以说投入了非常多的感情。

提起安格尔这个人物近代的一些画家和艺术家们都会表现的非常的敬佩，在他的一生中曾经创作了无数出众的作品，虽然在他的人生中也受到过人们的质疑和抨击，但是安格尔却始终对艺术怀着认真而努力的态度，也正是因为这样所以安格尔的艺术成就非常的崇高。那么安格尔的艺术成就包括哪些方面呢?安格尔的艺术成就可以从以下方面来说明，首先人们在提起这个人物的时候一定会想到他最为擅长的裸体绘制，他的许多作品也都是用的裸体素材，他对美感有着非常大的追求，也有着自己独特的认识。所以代表着安格尔最高艺术成就的裸体作品非常的多，他用自然的形象和古典美完美的融合在一起，这也造就了他的作品没有其他的思想，也没有独特的信仰，甚至看不出任何时代的成分，但是却表现出了伟大画家纯粹的创作。不管是《泉》还是《维纳斯》，安格尔留下的始终是青春活力的少女形象。另外安格尔的艺术成就还在于他开创出来一种全新的美学理论，在长期的绘制过程中，安格尔发现在创作人物形象的时候一定要注重骨骼方面的绘制，而肌肉却并不能过度的准确，否则会造成人物失去纯真的效果，甚至会让作品沦为平庸中的一员。所以他开创了自己独特的美学理论，他在绘制的时候会将人物的腰身故意拉长一些，这样一来就会让人物显得更加的妩媚。这种独具匠心的做法至今是没有任何人可以企及的。
安格尔作为一代伟大的艺术大师，曾经创造了许多惊世之作，尽管曾经在创作的过程中受到过人们的批判，但是他所表现出来的对美感的执着却让他坚持到了最后，也终于形成了独特的安格尔艺术风格。那么安格尔艺术风格是怎样的呢?安格尔的艺术风格还要从1824年开始说起，那个时候他终于拥有了自己的艺术学校，并且将许多和他一样喜欢原始主义的人都 *** 在了一起，而安格尔对于文艺复兴的绘画也有着浓厚的兴趣，受到拉斐尔的影响他非常喜欢自然，而且十分重视细节方面的绘制。那个时期十浪漫主义十分的广泛，他曾经和这方面的人物有过很多辩论，他也因此形成了全新的古典主义，也就是说安格尔的艺术风格是新古典主义和学院派的完美融合。在他的身上有着非常保守的学院派的特点。另外安格尔的艺术风格还在与他对古典艺术的美感有着非常独特的把握能力，他将自己人士的古典美完美的融合到自然之中，从而得到了一种简单而且纯粹的艺术风格。他始终将静穆和单纯作为自己创作的准则。在安格尔的艺术风格中吸收了许多意大利绘画遗留下来的风气，所以他的画法十分的工整精致，而且非常注重线条方面的造型，这些特点尤其是在肖像画中表现的十分明显。因此他的许多作品都达到了非常严谨的构图，还有单纯而明亮的色彩，这些都来源于他的绘画风格。
安格尔是一位十分努力的画家，他对艺术始终怀着认真的态度和执着的追求，从小一直对艺术十分有天赋的他，在九岁就在素描上表现的十分出众，十七岁已经成为一个非常不错的画家。他的一生都致力于将美好的事物绘制下来，所以安格尔作品也是非常繁多的，其中有许多都不乏为惊世之作。那么安格尔作品有哪些呢?安格尔的作品数目非常的多，其中有许多都是针对于女性的身体，类似于《泉》、《土耳其浴室》还有《大宫女》等等。其中《大宫女》这幅作品非常具有代表性，他在还没有去罗马留学的时候，曾经接受到衣服波拿巴的肖像画，那个时候正处于1803年，当时法国政治正处于最关键私企，人们对于军事独裁十分的痛恨，但是安格尔却在那个时候创作了许多关于裸体的大作品，而《大宫女》正是他为了送到巴黎创作的作品之一。那时许多上层人士对于土耳其内宫非常的有兴趣，而这幅画也是他这个时期创作的裸女作品中的代表作。《大宫女》作为安格尔的作品展出之后受到了很多人们的批判，他们甚至因此而讽刺和质疑安格尔的能力，但是不管怎样安格尔却始终坚持着他的做法，他在这幅作品中展示了自己强大的独立性，尽管因为他的对美学始终坚持着自己的简介，所以表现出了一些模棱两可性，因此而受到人们的批判，但是从历史这个方面说起，安格尔所具有的探索性是非常指的人们称赞和佩服的。


安格尔是世界上闻名于世界的伟大人物，他在一生中创作的时间达到了八十年，在这段时期内他始终坚持着自己的理想和追求，对于艺术永远都抱着认真而努力的态度，为人们留下了许多的艺术财富。因此人们对安格尔的评价是非常崇高的，这也源自于他对艺术的执着和热爱，那么后世对安格尔的评价是怎样的呢?人们在评价安格尔的时候总是为他的古典主义所折服，这是他一生都始终在向往和追求的并且将古典主义当做了自己一生的追求。古典派非常注重创作时候的准确性，而安格尔在这方面做的十分的出色，他在创作的时候表现出来非常认真的态度，甚至达到了任何一个物品都会细心刻画的地步。所以人们认为安格尔在艺术方面是一个精益求精的人物，尽管在一些时候受到了人们的打击和批判，但是安格尔的态度是从没有发生过变化的。另外人们在评价安格尔的时候始终会提起他在素描方面的能力，安格尔始终认为一个人的成就很大程度上都来自于对素描的把握，而他本人也是一个在素描方面十分有天赋的人。他有很多的作品都是描绘裸体的女性，因此他十分重视骨骼的绘制，在他看来如果肌肉过度的精确会让作品失去了纯真的感觉，而骨骼才是最应该把握住的灵魂。所以安格尔在做这方面的素描的时候故意让人物的腰身显得比较长，这样一来人物就有了独特的妩媚。而安格尔在这方面的成就显然是没有人可以超越的。

安格尔作品

代表作品《泉》《大宫女》《土耳其浴室》《瓦平松的浴女》。
让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean Auguste Dominique Ingres，1780年8月29日－1867年1月14日），出生于法国蒙托邦（Montauban），新古典主义画家、美学理论家和教育家。
安格尔追求“绝对的美”，认为古希腊和拉斐尔的艺术是完美无瑕的典范，并认为造型的形式美才是绘画的根本。他推崇古典的艺术法则，强调理性原则，重视素描和线条的作用，忽视色彩的表现作用，并反对直接表达感情和想象。
创作特点
安格尔强调绘画必须重视骨骼，而肌肉远在其次，他认为肌肉绘制得过分精确会成为造型纯真的最大障碍，甚至会造成独特构思的浪费使作品平庸化。这是发前人所未想的重要美学理论，1814年他应卡萝琳皇后的邀请创作的《大宫女》就是这种理论的最好佐证。
安格尔故意拉长人物的腰身（增加三根脊椎骨），这种“没有骨头”的变体增强了裸体特有的妩媚感。另外色彩的调配显得平和稳定、独具匠心，以至有人称威尼斯画派无一人能够企及。

评析下法国画家安格尔的作品《泉》·

　　安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，还认为：“一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。掌握大概的准确，就等于失去准确。那样，无异于在创造一种本来他们就毫无感受的虚构人物和虚伪的感情。”这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。这里所不同的只是，象马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。这在他那些描写土耳其宫女的裸女画上尤为明显。晚年，安格尔画了这一幅《泉》，则进一步反映了画家对美的一种全新观念，那就是他深深觉得用精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。76岁高龄的安格尔，终于在这一幅《泉》上，把他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
　　他在这幅画上展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家晚年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想化了。”《泉》大概在意大利佛罗伦萨时就开始酝酿了，那是在1820年的事，为什么事隔36年后才最终完成此稿呢？这还得从他的学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗两人说起。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。有人认为这幅画最初是由上述两个学生协助完成的。安格尔经常在同一主题或构思中进行复制，有时花上几年甚至几十年工夫。
　　1857年，《泉》被迪麦泰尔伯爵收购，成为私人藏画品。后根据这位伯爵的遗嘱，他的家属于1878年将此画赠给国家，终于成为巴黎卢浮宫内又一镇馆之宝。
　　它表现的是一个手托水罐成正面姿势站立着的姑娘形象，构图非常单纯，却充满了发展变化。
　　阿恩海姆对此有过很精彩的分析。
　　他认为，此画通过把姑娘的面容与水罐那空无一物的“脸”放在一起加以比较，就更增加姑娘的面容的吸引力；画中盛水的罐子开着口让内部的水自由地流出，而姑娘的嘴和人体的会阴部却是紧紧闭合的，这是对处女所特有的那种拘谨而又开放的性格特征的强烈暗示。这幅画的主旋律就是表现这一性格特征。那紧紧夹在一起的双膝、与头部紧紧贴在一起的右手手臂以及那紧紧握住的双手都表现了处女的羞怯和拘谨，而这种羞怯又被整个身体的裸露抵消了。画中人体的整个造型以垂直轴为中心对称，但整幅画中却找不到真正的垂直线，全部的垂直线实际上是由身体各部分的局部轴线稍加摆正来完成的，它表现了生者的平衡而非死者的寂灭。画中那个姑娘优美的身体曲线又与水罐里面流出来的直线性的水柱形成强烈的对照，这也很好地表现了姑娘的生命活力。
　　总之，这幅看似简单的画实际上充满变化，它从单纯中见丰富，寓杂多于统一，带给人无穷的艺术魅力。

美术高考：线性素描概念及其要义

美术高考：线性素描概念及其要义
　　素描是什么?对这个问题见仁见智，各有各的理解。大凡绘画者都是从素描开始步入绘画的领域：它是训练基本造型能力的课程，在普通观者的理解里，往往是“素描是黑白的肖像画”。随着素描词汇的泛化与受众面的扩大，素描一词也时常在新闻报道中出现，如“某某人物素描”、“某某事件素描”等等。那么这个令人“熟视无睹”的素描究竟是什么呢?考证美术史可知，“素描”是舶来中国的词。20世纪前后，素描及其概念经日本舶来中国，其源于法文dessin和dessein，原义指设计。早期绘画者为了区分单色画与色彩画而把单色画统称为素描。素描是创作的前期工作，主要解决创作中造型、明暗等基本问题。随着画家在创作实践中对素描概念本质认知的进一步加深，素描作为提高造型能力训练的主要手段得到了普遍的认可。15世纪欧洲文艺复兴时期出现了素描基础论的观点，把素描从创作辅助方法中单列出来，成为了独立的绘画体系。范景中在《附庸风雅和艺术欣赏——纪念贡布里希诞辰一百周年》一书中曾写道：“……十七世纪法兰西著名批评家德皮勒(1635-1709)，他研究过一幅画或者说一个艺术家怎样才能说是杰出的，如何才能说是大师。他想出了一个办法，制订了一张表——一张给著名画家的绘画水平打分的表，他称之为‘画家的天平’;他从四个方面打分，第一是构图，第二是素描，第三是色彩，第四是表现……”从这里我们可以清楚地看到素描在体现绘画水平高下中所起到的关键作用。值得一提的是，以追求变形为审美趋向的现代派画家毕加索也作有线性素描《妇女肖像》。西方绘画大师们对于素描的重视由基础造型发展为唯美性的追求，这种在造型基础之上的唯美性和中国画画家对于“笔墨”纯粹性的追求存在一定的共同点。“笔墨”是传统中国画构成体系中的灵魂，而素描在古典西方绘画体系中同样占有重要的地位。

　　在中国古代绘画中，没有素描绘画形式，但却有功能相似的绘画形式——粉本，又称为白描。有人为了论述中国画在发展过程中与西方绘画具有相同的经历，而试图把孔子《论语》中的“绘事后素”演绎为对素描一词的表述，以此认为古代中国有素描的存在，这个论断显然是牵强的。“绘事后素”的本义是指绘画应该在“素”之上进行，引申到道德教育也须建立在“纯”的基础之上，只有纯净的本质才能接受高尚的道德教育。
　　素描在当代语境下已然获得普遍的共识：于绘画体系来说，它是一个绘画种类;于画家本身来说，素描具有阶段性和基础性的属性。素描种类大致分为明暗素描、结构素描、设计素描以及新近出现频率颇高的“线性素描”。有人认为“线性素描”与其他新造的网络用词一样，是一个全新的绘画名词。实际上，线性素描在我国有着很深的渊源。传统绘画为了“传模”而出现了“粉本”，“粉本”又演变成为“白描”，白描是画家创作前期的草稿。谢赫“六法论”中“传移模写是也”，所指的就是“粉本”——传统中国画造像的标本。现在的线性素描概念主要涵盖了：以线条为主，间以灰色色调相辅的一种素描形式;综合明暗素描、结构素描的观察方法和表现技法，在表现立体感、空间感等领域不局限于明暗或结构素描的表现技法，可以灵活运用各种技法加以综合表现于画面之中。它既不同于结构素描的线面结合形式，也不同于明暗素描的色块处理方法，以往安格尔的线描同“线性素描”虽然比较接近，但也存有区别。安格尔的线描注重物体外轮廓线条的准确性以及物质体视觉感受的相似性，而忽视了素描作为造型艺术所要体现的主体感觉的表达。朴素的技法、准确地表现物体形态是安格尔素描作品的特性，从素描艺术这一层面上来看，安格尔素描还是存在技法丰富性和表现性的欠缺。而“线性素描”要求在物体体积感、空间感塑造的同时，将线条粗细、轻重、浓淡、虚实等对比关系有序地建立在以造型为基础的平台之上，尽量发挥线条多变性和对比性的特点，把线条变化产生的艺术性体现在素描之中。因而，线性素描不只是概念上的立新，它更具有实质性的内涵，也是素描艺术发展趋向的一种选择——素描从绘画基础课程的角色发展成为一个独立的绘画种类。在这个演变过程中，素描在内涵和外延都得到了极大的扩展。在这个扩展的进程中，素描技法必须经历一个全方位、多元性的试错过程，才能确立“线性素描”的`概念，而这个过程正是“线性素描”概念提出的重要的价值体现。
　　目前，我国素描教学已改变了原来单一的明暗素描教学体系，不仅形式多样，技法、手法也呈现出多样化的趋势和多元的教学内容。如教学选择的素描形式有结构素描、线性素描、构成素描等等，单纯的明暗素描教学已难觅踪迹，明暗素描往往结合结构素描加以利用;教学的素描内容也打破了契斯卡柯夫的素描教学体系，石膏像已不是唯一的教具，日常生活中的道具和自然界中平常的物体都可能成为素描教学的内容，多样化的教学形式、教学内容在不断探索研究之中。在这样一种普遍认同素描的语境下，“线性素描”概念的提出本身包含二个重要意义：一方面，有益于细化素描技法种类、划分素描学科和素描科目的丰富性;另一方面，在教学中能体现出教学效果的直观性和有效性。
　　在今天现代科学技术越来越多地应用于绘画的环境下，抱残守缺地守住明暗素描教学不放不是明智的选择，这一点是得到广泛认同的。素描教学的内容、形式、方法都应该与时俱进地发展，我们不妨将线性素描的出现看作是素描发展的一种趋向。线性素描的出现，显然对中国画演变中最大程度地保留传统元素提供了理论性的支持;从另一方面来说，也为中国画传统元素应用于其它绘画种类奠定了基础。
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世界名画《泉》

法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔（Jean-Auguste Dominique Ingres）杰出的新古典主义美术画家，作于1856年。163×80cm（一说为164×82厘米），卢浮宫博物馆藏，为西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。
《泉》大概从1830年安格尔在意大利佛罗伦萨逗留期间就开始酝酿，但一直没有完稿。最初在安格尔心中构思的“泉”，是仿效意大利大师们在画维纳斯时的愿望，他早在1807年就画过一些草图，后来不满足前人已画过的“维纳斯”样式，企图使形象更单纯化。26年以后，当他已是76岁高龄时才画完此画，据说曾有助手帮他绘制，如有人认为这幅画最初是由他的两个学生保罗·巴尔泽和亚历山大·德戈弗协助完成的。 　　
安格尔一生在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才显现出来。《泉》，（1856年）是安格尔最著名的画作之一。为了创作好这幅作品，安格尔竟酝酿了36年的时间。它通过一个抱罐倒水的裸体少女形象，表现了画家终身追求的古典美。这幅作品的动人之处，还在于它匠心独具地表现了少女的纯洁，在画面上创造出了一种恬静、思雅和抒情诗般的意境。 　　实际上，画中少女上肢的姿态并不符合人体的动态规律。安格尔为了使少女的动态看起来更美，为她编造了这样一个不可能存在的动作。这幅作品对于水的表现非常神奇。从水瓶中倾泻而出的泉水是宁静的画面上最具动态的因素。但经过画家的巧妙处理，飞泻的清泉非但没有打破画面的宁静感，还使之平添了一种流动的韵律。
《泉》内容为年轻的裸女拿着壶罐让水倒出来，其中展示了可以得到人类普遍赞美的美的恬静、抒情和纯洁性。《泉》把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起，少女的肌肉因安格尔美丽柔缓的曲线而更具魅力，色彩运用非常柔和而富于变化。有一位评论家参观了《泉》后说：“这位少女是画家衰年艺术的产儿，她的美姿已超出了所有女性，她集中了她们各自的美于一身，形象更富生气也更理想了。”
本人一直很喜欢这幅画

[急]自学素描透视,哪些书籍比较好

分类: 文化/艺术 >> 书画美术
问题描述:

我在透视这里总是弄不清楚,素描的书上也只是简单带过.
自学素描并且是刚起步的,想要完全弄清楚透视,看什么书比较好呢?
请大家介绍介绍
解析:

靠书学素描不能解决所有问题,但也有意想不到的作用,学会使用是重要的。以下列举几本书，从几方面说明素描的意义。意义清楚了，学起来事半功倍。

1,《向大师学素描》：里面有详尽的解剖学知识，初看感觉过于深奥，但请注意，此书并不是教你解剖学，而是介绍大师们是如何有表现力地体现准确，这是素描的精粹。素描的功能可以是基础训练、收集素材为完成作品建立草图，但它更是独立的艺术作品，无论是初学者还是大师，素描面对的都是造型问题，准确和表现力缺一不可，都要同时训练。书中介绍了一幅安格尔的素描，在一条线的运用上，安格尔为了美感牺牲了准确，举了这个例子，你大概对此书有些想象了吧。
2,《蔡锦素描》：这是一本画册，读画是学素描的诀窍之一，培养眼睛比培养手重要得多，手拿着笔才能画画，受过训练的眼睛无时无刻不在描摹。此书好就好在女画家有一双大师的眼睛，它告诉我们感动是艺术的源泉，在画一幅素描之前，画家应该忘掉部分规则，将注意力集中到对象身上，研究它、赞美它，这样，即使是初学者生涩的线条，也会传达你的感动。记住，不能打动自己的作品，不要奢求打动别人。
另外，想说几句题外话。第一，不要去看那些专门为初学者提供的入门教材，那些是骗钱的，它们为每一个对象（石膏模型、头像、人体）都规定了不同的部骤，这是愚蠢的，其实无论是画什么，部骤都是一样的，都是从整体到局部，局部回到整体，关键在于动笔前要清楚对象打动你的是哪一点，那么这一点就是画面的重点。学好素描的关键就在这里。第二，对于初学者来说，观察的细致入微是最重要的，宁愿让自己犯过于拘泥细节的错误，也不要大而化之的仅有画面大感觉而自鸣得意，这是素描的特征所在。比如，如果你画一个苹果，一定要画出它的特征，它是你家这个独一无二的苹果，而不是仅满足于是个苹果，听起来很难，但作为自学者，这是学习之道。如果观察得够仔细，那么你才会发现，原来自然真正的就是最好的老师，线条、明暗（色彩也一样）就在对象上，你只用记录就行，因为此时你的眼睛已经进入状态了。切记，粗枝大叶是学习素描的敌人。

世界的外国素描头像大师

我比较钟爱的：文艺复兴三杰、丢勒、桑普、德拉克罗瓦、鲁本斯
多米尼克·安格尔(Jean Auguste Dominique Ingres1780年8月29日-1867年1月14日)是法国画家，新古典主义画派的最后一位领导人，他和浪漫主义画派的杰出代表德拉克罗瓦之间的著名争论震动了整个法国画坛。
安格尔的画风线条工整，轮廓确切，色彩明晰，构图严谨，对后来许多画家如德加、雷诺阿、甚至毕加索都有影响。
巴伯罗·毕加索（Pablo Picasso，1881年10月25日—1973年4月8日）西班牙画家、雕塑家。法国共产党党员。毕加索是20世纪现代艺术的主要代表人物之一，遗世的作品达二万多件，包括油画、素描、雕塑、拼贴、陶瓷等作品。毕加索是少数能在生前“名利双收”的画家之一。
卡米耶·毕沙罗（Camille Pissarro，1830年7月10日－1903年11月13日），是一位法国的印象派画家。
弗朗索瓦·布歇 （Francois Boucher）（1703年－1770年5月30日），法国洛可可时期的重要画家。又译做法兰撒·布歇或是法兰克斯·布雪。他以综合性，感官的绘画主题闻名。
威廉·阿道夫·布格罗（William Adolphe Bouguereau，1825年11月30日 - 1905年8月19日）是19世纪末著名的法国学院派画家，毕业于巴黎的朱利安美术学院，在1850年得罗马奖学金。他一生坚持唯美主义的学院派风格，打击压制后起的印象派画家，他的作品很受当时人的欣赏，现代对他的作品也大有人赞美。由于他的夫人也是他的同学，所以当时受夫人的影响，极力帮助女性画家举办画展
列奥纳多·达芬奇1（意大利语：Leonardo da Vinci，1452年4月15日—1519年5月2日）是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。他因自己高超的绘画技巧而闻名于世。他还设计了许多在当时无法实现，但是却现身于现代科学技术的发明。总的来说，达芬奇大大超越了当时的建筑学，解剖学和天文学的水平，但是却未能推动其发展。
萨尔瓦多·达利(Salvador Dalí，Salvador Domenec Felip Jacint Dalí Domenech，1904年5月11日 - 1989年1月23日)是一位著名的西班牙加泰罗尼亚画家，因他的超现实作品而闻名。达利是一位具有非凡才能和想象力的艺术家，他的作品将怪异梦境般的形象与卓越的绘图技术和受文艺复兴大师影响的绘画技巧令人惊奇地混合在一起。他有一种对做出出格的事物而引起他人注意的狂热爱好，并影响至他的公众艺术形象，使他的艺术爱好者与评论家异常苦恼。
雅克-路易·大卫(Jacques-Louis David，又译“达维特”，1748年8月30日—1825年12月9日) 是法国画家，新古典主义画派的奠基人和杰出代表。
埃德加·德加（Edgar Degas，1834年7月19日—1917年9月27日），法国印象派画家、雕塑家。
欧仁·德拉克罗瓦(Eugène Delacroix，1798年4月26日~1863年8月13日)是法国著名画家，1798年4月26日出生于法国南部罗讷河畔的阿尔代什省，曾师从法国著名的古典主义画派画家雅克·路易·大卫学习绘画，但却非常欣赏尼德兰画家彼得·保罗·鲁本斯的强烈色彩的绘画，并受到同时代画家热里科的影响，热心发展色彩的作用，成为浪漫主义画派的典型代表。他的画作对后期崛起的印象派画家和梵·高的画风有很大的影响。他的著名画作“自由领导人民”是对浪漫主义作家维克多·雨果的名作“悲惨世界”的呼应，这幅画曾被印入法国政府发行的100法郎的钞票和1980年的邮票上。
H·保罗·德拉罗什 (Hippolyte-Paul Delaroche 1797年7月17日 - 1859年11月4日) 是法国著名的学院派画家之一。
爱德华·蒙克（Edvard Munch，1863年12月12日—1944年1月23日），挪威表现主义画家和版画复制匠。他对心理苦闷的强烈的，呼唤式的处理手法对20世纪初德国表现主义的成长起了主要的影响。
《呐喊》（挪威语Skrik，也译作《尖叫》，作于1893年），是蒙克最著名的代表作，被认为是存在主义中表现人类苦闷的偶像作品。像蒙克的许多其它作品一样，他一共画了四个不同版本的《呐喊》。蒙克在世纪之交时期创作了交响乐式的“生命的饰带”（The Frieze of Life）系列，《呐喊》属于这个系列。这个系列涉及了生命、爱情、恐惧、死亡和忧郁等主题。
文森特·凡高（Vincent van Gogh（发音 （说明 · 关於）），1853年3月30日—1890年7月29日），后印象派代表人物。
凡高的作品着意于真实情感的再现，但一直没有得到社会的认可，直到死后他的作品才以其之震撼人心和富于想象力赢得评论界的赞扬。在他死后一些画家开始模仿他的画法，强调感情的宣泄，而对现实不一定作出如实的反映，这种创造性的态度被称为表现主义。此外凡·高的绘画风格对后来出现的野兽派也有一定影响。
约翰·斐拉克曼（John Flaxman，1755年7月6日 – 1826年12月7日）是英国著名雕塑家和插图画家。
让·昂诺列·弗拉戈纳尔（1732年4月5日-1860年8月22日），法国罗可可时代的代表画家。
保罗·高更（Paul Gauguin，1848年6月7日—1903年5月9日﹚，生於法国巴黎，印象派画家。大部份艺术史家将他归於后印象派。
高更的作品趋向於?原始?的风格。其用色和线条都较为粗犷。高更的作品中往往充满具象徵性的物与人。此外他是印象派中融合了原始艺术风格的知名艺术家。现代艺术史中，高更往往被拿来与梵谷并论，他们曾经是很好的朋友，互相画过对方的肖像，但最後却步上不同的道路，并没有维持很好的友谊。高更不喜欢都市文明，反而向往蛮荒的生活，这些都在他的作品中看得出来。
弗朗西斯哥·戈雅(Francisco José de Goya y Lucientes 1746年3月30日-1828年4月15日)是西班牙浪漫主义画派画家。画风奇异多变，从早期巴洛克式画风到后期类似表现主义的作品，他一生总在改变，虽然他从没有建立自己的门派，但对后世的现实主义画派、浪漫主义画派和印象派都有很大的影响，是一位承前启后的过渡性人物。
葛饰北斋（1760年─1849年），日本江户时代的浮世绘画家，葛饰派的创始人，其画风影响了後来的法国印象派。葛饰的笔名很多，如春朗、宗理、画狂人、戴斗、为一、卍等。
托马斯·吉尔丁（Thomas Girtin，1775年-1802年11月9日）英国画家，蚀刻画家。吉尔丁出生在伦敦南华克区一个成功的绳索制造商家里。在他幼年时父亲病逝，他的母亲嫁给了一个绘图员瓦根。吉尔丁跟随继父学习绘画，后来又师从金属版画家爱德华·多耶斯（Edward Doyes，1763年-1804年），他还结识了J.托纳（J. M. W. Turner）。
让-安东尼·华托（1684年10月10日-1727年7月18日）是法国罗可可时代代表画家。
萨托尼诺·赫兰（Saturnino Herrán，1887年—1918年），墨西哥画家。生于墨西哥阿瓜斯卡连特斯（Aguascalientes）。1903年，他父亲去世。两年后，全家搬往墨西哥城。1912年，25岁的赫兰认识了他的妻子罗莎里·阿莱拉诺。
瓦西里·康定斯基（Василий Кандинский，格里历1866年12月16日—1944年12月13日），出生于俄罗斯的画家和美术理论家。
儒略历1866年12月4日，康定斯基出生于俄罗斯莫斯科，在敖德萨度过童年。进莫斯科大学后，就读法律和经济学。1896年在慕尼黑学习绘画（写生，素描和解剖学），在俄国革命之后的1918年返回莫斯科。因为前卫艺术与官方的现实主义艺术相悖，1921年他回到德国，在包豪斯从1922年开始任教，在1928年加入德国国籍，直至1933年包豪斯被纳粹关闭。此后定居法国，在1939年加入法国国籍，1941年法国被纳粹占领，康定斯基没有选择前往美国定居，他在1944年逝于巴黎近郊的塞纳的内依。
约翰·康斯特勃（John Constable，1776年6月11日—1837年3月31日），英国风景画家。
凯绥·柯勒惠支（K?the Kollwitz 1867年 7月8日 - 1945年 4月22日）是德国表现主义版画家和雕塑家，20世纪德国最重要的画家之一。
让-巴蒂斯·卡米耶·柯洛 Jean Baptiste Camille Corot（1796年7月26日－1875年2月22日）。法国著名的巴比松派画家，也被誉为19世纪最出色的抒情风景画家。画风自然，朴素，充满迷蒙的空间感。简称做柯洛，或译做让·巴蒂斯·卡米尔·柯罗
彼得·冯·柯内留斯 （1784年-1867年）是德国著名画家，出生于杜塞尔多夫。他的父亲是一位杜塞尔多夫画廊的巡视员，他15岁时父亲就去世，做为长子，为了帮助维持家境只得放弃继续学习绘画。但他一直没有放弃绘画。
古斯塔夫·库尔贝(Gustave Courbet 1819年6月10日 - 1877年12月31日) 是法国著名画家，现实主义画派的创始人。主张艺术应以现实为依据，反对粉饰生活，他的名言是：“我不会画天使，因为我从来没有见过他们。”
拉斐尔·桑乔（Raffaello Sanzio，1483年4月6日—1520年4月6日），意大利画家。
拉斐尔出生于意大利西北威尼斯和佛罗伦萨之间乌姆勃利亚省的一个小镇，他的父亲就是一位画家。拉斐尔画作中的人物清秀，场景祥和，他可以说是文艺复兴时期最伟大的一位画家，在文艺复兴“三杰”中（另两位是列奥纳多·达·芬奇和米开朗基罗）他的画以“秀美”著称。年轻时他曾在佛罗伦萨学习四年，有幸仔细观摩了另两位巨匠的作品，从中领悟了不少。他的著名宗教画圣母系列将宗教的虔诚和非宗教的美貌有机地融为一体；他的画即使是“圣乔治和龙搏斗”的场面看起来也是平静安详的。他为梵蒂冈教皇居室创作的大型壁画《雅典学派》(School of Athens)是经典之作，他将柏拉图和亚里士多德，将基督教和异教，统统融合到一起，创造出和谐的场面。同时也创作出许多著名的肖像如：“教皇利奥十世像”。他的性情平和、文雅，和他的画作一样。他短短一生创作出不少作品，于1520年早逝。
皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir，1841年2月25日—1919年12月3日），出生在法国巴黎的经典印象派画家。
雷诺阿以画人物出名，这之中又以画甜美，悠闲的气氛还有丰满，明亮的脸和手最为经典。印象派中雷诺阿的特色在於描绘迷人的感觉，从他的画作中你很少感觉到苦痛或是宗教情怀，但常常能感受到家庭的温暖，如母亲或是长姐般的笑容。雷诺阿认为绘画并非科学性的分析光线，也并非巧心的安排布局，绘画是要带给观者愉悦，让绘画挂置的环境充满了画家想要的感觉。
雷内·马格利特（René Magritte，1898年11月21日－1967年8月15日）是比利时的超现实主义画家，画风带有明显的符号语言，如《戴黑帽的男人》。他影响了今日许多插画风格。全名是雷内·弗朗索瓦·吉斯来恩·马格利特（Rene Francois Ghislain Magritte）。
伊利亚·叶菲莫维奇·列宾（Илья Ефимович Репин，1884年8月5日—1930年9月29日），俄罗斯画家，巡回展览画派的主要代表人物。
彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens，1577年6月28日—1640年5月30日），佛兰德斯画家，是巴洛克画派早期的代表人物。
鲁本斯出生于德国锡根，父亲是一名原籍比利时安特卫普的新教律师，为了逃避宗教迫害而逃到德国。在他的父亲去世后，12岁的鲁本斯跟随母亲回到了西班牙统治下的家乡安特卫普，并在那里接受了天主教洗礼，而宗教也成为鲁本斯画家生涯中十分重要的一个主题。少年时期的鲁本斯曾在一个伯爵夫人家里做侍童，因此有机会接受正统的贵族式教育，精通多种语言。后来又在母亲的安排下从师几位画家，21岁时他便获得安特卫普画家公会的承认，成为一名正式的画家。
西奥多·卢梭（étienne Pierre Théodore Rousseau，1812年4月15日—1867年12月22日），法国巴比松派的风景画家。依全名又译做皮埃尔·埃提昂·蒂奥多·卢梭。他的中文译名有相当多种，有时做胡梭，有时做鲁梭。
卢梭的风景画以强烈的色彩、大胆的笔触，和独特的主题闻名。评价是有褒有贬，他是提高法国风景画家地位的重要人物，在18世纪当时，他的作品被拒於主流画派长达10年的时间，最後终於在1848年获得大众的认可正式有公开展出，并被授与荣誉的十字勋章。并成为将巴比松派接续到印象派的重要画家。
伦勃朗·哈尔曼松·凡·莱因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1606年7月15日 - 1669年10月4日）是欧洲17世纪最伟大的画家之一，也是荷兰历史上最伟大的画家。台湾简称为林布兰特。
亨利?马蒂斯（法语：Henri Matisse；1869年12月31日—1954年11月3日）是法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。
爱杜尔·马奈（édouard Manet，1832年1月23日—1883年4月30日），是出生在法国巴黎的写实派与印象派画家，。
米开朗基罗·波纳罗蒂（Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni，1475年3月6日—1564年2月18日），1475年生於佛罗伦斯加柏里斯镇，伟大的雕塑家、建筑师、画家和诗人。他与李奥纳多·达·文西和拉斐尔·桑乔并称「文艺复兴三杰」，以人物「健美」著称，即使女性的身体也描画的肌肉健壮。他的雕刻作品「大卫像」举世闻名，梅第奇墓前的「昼」、「夜」、「晨」、「昏」四座雕像构思新奇，此外著名的雕塑作品还有「摩西像」、「大奴隶」等。他最著名的绘画作品是梵蒂冈西斯廷教堂的《创世纪》天顶画和壁画《最後的审判》。他还设计和初步建造了罗马圣伯多禄大殿，设计建造了教宗尤利乌斯二世的陵墓。米开朗基罗脾气暴躁，不合群，和达·文西与拉斐尔都合不来，经常和他的恩主顶撞，但他一生追求艺术的完美，坚持自己的艺术思路。他於1564年在罗马去世，他的风格影响了几乎三个世纪的艺术家。
米开朗基罗·梅里西·达·卡拉瓦乔（1571年9月29日—1610年7月18日），意大利画家，1593年到1610年间活跃于罗马、那不勒斯、马耳他和西西里。他通常被认为属于巴洛克画派，对巴洛克画派的形成有重要影响。
胡安·米罗（Joan Miró，1893年4月20日—1983年12月25日），西班牙画家、雕塑家、陶艺家、版画家，超现实主义的代表人物。
让·弗朗索瓦·米勒（Jean-Fran?ois Millet，1814年10月4日－1875年1月20日﹚法国巴比松派画家。以乡村风俗画中感人的人性在法国画坛闻名。习惯被称作米勒，实际按照法语发音应翻作“米叶”。
居斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau，1826年4月6日-1898年4月18日），法国象征主义画家。生于巴黎，死于巴黎。
莫罗的绘画主要从基督教传说和神话故事中取材。正是出于这个原因，莫罗的绘画作品中往往包含着文学要素，因此莫罗往往被同时代的象征主义作家和艺术家尊为先驱。
1891年，莫罗成为法国国立美术学院教授。在他的学生中有后来成为野兽派先驱的亨利·马蒂斯和乔治·鲁奥。
克洛德·莫内（Claude Monet，1840年11月14日—1926年12月5日），法国印象派主要画家，印象派运动领袖人物。
彼埃·蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian；1872年3月7日-1944年2月1日），荷兰画家，风格派运动幕後艺术家和非具象绘画的创始者之一，对後代的建筑、设计等影响很大。以几何图形为绘画的基本元素。
奥德·纳德卢姆Odd Nerdrum（1944年4月8日-）挪威画家。他是一个引起争议的人物。他宣称自己的作品不是艺术，只是一种浮躁虚夸。他的作品中表达出古希腊和古罗马的传统，明显受到了伦勃朗（Rembrandt）和爱德华·蒙克（Edvard Munch）的影响。
乔治亚·欧姬芙（Georgia Totto O'Keeffe；1887年11月15日－1986年3月6日）是一位美国艺术家，被列为20世纪的艺术大师之一。欧姬芙的绘画作品已经成为1920年代美国艺术的经典代表，她以半抽象半写实的手法闻名，其主题相当具有特色，多为花朵微观、岩石肌理变化，海螺、动物骨头、荒凉的美国内陆景观为主。她的作品中常充满著同色调的细微变化，组成具有韵律感的构图，某些时候欧姬芙画中的物品外轮廓，让观者感到此物品的轻脆感。
尼古拉·普桑（Nicolas Poussin，1594年6月15日－1665年11月19日）17世纪法国巴洛克时期重要画家。以《阿尔卡迪的牧人》为其代表作。常被简称做普桑。
桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli，1445年3月1日~1510年5月17日），原名亚里山德罗·菲力佩皮（Alessandro Filipepi）是欧洲文艺复兴早期的佛罗伦萨画派艺术家。
让·路易-安德尔·蒂奥道·热里科 (法语：Théodore Géricault；1791年9月26日 - 1824年1月26日）是法国浪漫主义画派的先驱，对浪漫主义画派和现实主义画派的发展有重要影响。
保罗·塞尚（Paul Cézanne，1839年—1906年），法国人，是印象派到立体主义画派之间的重要画家。
塞尚由毕沙罗（Camille Pissarro）介绍加入印象派，并参加了第一届印象派画展。有人依他的风格也归於后印象派。
塞尚认为“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。他的作品大都是他自己艺术思想的体现，表现出结实的几何体感，忽略物体的质感及造型的准确性，强调厚重、沉稳的体积感，物体之间的整体关系。有时候甚至为了寻求各种关系的和谐而放弃个体的独立和真实性。
塞尚认为：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。”从塞尚开始，西方画家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成现代绘画的潮流。
塞尚这种追求形式美感的艺术方法，为后来出现的现代油画流派提供了引导，所以，其晚年为许多热衷于现代艺术的画家们所推崇，并尊称他为“现代艺术之父”。
瓦西里·伊凡诺维奇·苏里科夫（Василий Иванович Суриков，1848年1月24日—1916年3月19日，俄罗斯著名画家，1948年莫斯科国立美术学院更名为苏里科夫美术学院。
苏里科夫出生于西伯利亚的克拉斯诺亚尔斯克，1876年毕业于圣彼得堡皇家美术学院，并且获得一级艺术家称号。成名作大部分取材于历史事件，表现人民在历史进程中的作用。
提香（Tiziano Vecelli约1477年 - 1576年8月27日）是意大利文艺复兴后期的伟大画家，威尼斯画派的代表。
提香出生于意大利东北部阿尔卑斯山地区的卡多列，10岁时随兄长到威尼斯，在乔万尼·贝利尼画室学画，与著名画家乔尔乔涅同学。
蒂埃哥·委拉士开兹（又译委拉斯贵支）（1599年6月-1660年8月6日）是文艺复兴后期西班牙最伟大的画家，对后来的画家影响很大，弗朗西斯哥·戈雅认为他是自己的“伟大教师之一”。对印象派的影响也很大。
委拉士开兹的全名为蒂埃哥·罗德里开兹·德·西勒瓦·伊·委拉士开兹（Diego Rodríguez de Silva y Velázquez），出生于西班牙西南部的塞维利亚，父亲胡安·罗德里开兹·德·西勒瓦是祖籍葡萄牙的小贵族、律师，母亲罗里玛·委拉士开兹是塞维利亚的贵族世家，依据当地习惯，姓随父母中家世身份高的人，因此他随母姓。
安德鲁·魏斯（Andrew Wyeth 1917年7月12日－）美国当代重要的新写实主义画家，以水彩画和蛋彩画为主，以贴近平民生活的主题画闻名，作品已被相当多的博物馆、艺廊重视与收藏，包括了美国国家画廊。他的全名是Andrew Nowell Wyeth。又译作安德鲁·奈维尔·维斯。
马克·夏卡尔(俄语: Марк Шага?л; 白俄罗斯语: Мойша Захарав?ч Шагала? ；1887年7月7日-1985年3月28日)，是超现实主义画家之一。出生於俄国的犹太家庭。父母只靠著微薄的收大以养育10个子女，家境贫困。黑暗的木屋、迷信的乡民、演奏著小提琴的人、牛、羊、鸡以及马等都存在於少年夏卡尔心中的，这一幕幕的印象，成为了他的创作泉源。
乔治·皮埃尔·秀拉(Georges-Pierre Seurat，又译做乔治·修拉, 1859年12月2日—1891年3月29日)，是点彩画派的代表画家, 后印象派的重要人物。他的画作风格相当与众不同，秀拉的画充满了细腻缤纷的小点，当你靠近看，每一个点都充满著理性的笔触，与梵谷的狂野，还有塞尚的色块都大为不同。秀拉擅长画都市中的风景画，也擅长将色彩理论套用到画作当中。